Hoy entrevisto a Violeta Lopiz, joven ilustradora ibicenca instalada en Madrid, cuyo talento descubrí hace unos meses a través de su colaboración en ‘Hundlebert Syndrome‘ de Ediciones Ultrarradio. Captando en ella esa ternura y sentido del humor que sólo algunos dibujantes llevan dentro desde muy pequeños. Como sucede en ‘La asombrosa y verdadera historia de un ratón llamado Pérez editado por Siruela y escrito por Ana Cristina Herreros, cuyo trazo e imaginario gráfico consigue hacer revivir mi amor por los cuentos de cuando era pequeña, y podía pasarme horas mirándolos… ^—*_Cheek to Cheek!

Entrevista a Violeta Lopiz:

KAHLO: Buenas tardes Violeta, ¿cómo recuerdas tu infancia en relación a los dibujos que hacías de niña?
VIOLETA LOPIZ: Supongo que dibujar era aquello que se mantenía a pesar de los cambios y dibujando me sentía muy feliz y autónoma, además de poder decir lo que no decía con palabras y materializar los mundos que me montaba en la cabeza.

 
K: ¿Cuál era tu cuento favorito de pequeña?
VL: El tragasueños de Michael Ende y Annegert Fuschshubert.

K: Colaboras en varios medios de comunicación, revistas y periódicos. ¿Cómo sueles empezar el proceso de creación de estas colaboraciones?
VL: Preguntando, ofreciendo el trabajo, hablando con otros ilustradores, esperando, conectando con personas que les sobra trabajo…

K: ¿Sueles dibujar a mano? ¿Qué papel juega el ordenador en tus obras?
VL: Dibujo a mano, y el ordenador me ayuda a hacerme una idea de cómo funciona la imagen con el texto y la composición en página. También lo utilizo de mesa de luz.

K: ¿Siempre has sido freelance? ¿Qué es lo que más te gusta de serlo?
VL: Me parece curiosa la palabra freelance, ‘lanza libre’.  Por ejemplo, en Alemania se dice selbständig, que significa sostenerse uno mismo. En realidad me siento más una lanza libre que una que se sostiene a si misma. Me gusta la libertad de horarios para bien y para mal, me gusta poder trabajar toda la noche si así lo siento, y poder tomar las pausas que considere.

K: Has publicado varios libros ilustrados de una belleza y creatividad infinita como ‘Les Poings sur les iles’ o ‘La asombrosa y verdadera historia de un ratón llamado Pérez’. ¿Qué es lo más importante para ti cuando ilustras un libro?
VL: Implicarme emocionalmente y vivirlo en primera persona, encontrar el misterio y materializarlo con el color, la forma, el concepto, el material…

K: ¿Un sueño que puedas compartir con nosotros?
VL: Hoy he soñado algo genial, hacer funcionar un ordenador con una hoguera.

K: ¿Nos despedimos bailando?

VL: Cheek to cheek de Louis Amstrong, la iba cantando hoy mientras venía al estudio atravesando la tormenta de nieve.

K: ¡Un abrazo enorme Violeta!

‘En 1518 varias personas de un pueblo francés llamado Stransbourg se vieron afectadas por una epidemia de danza cuya primera afectada fue la Señora Troffea, bailando en la calle sin parar, seguida por otras 400 personas que bailaron sin descanso durante días y noches. Dando como resultado algunas muertes por ataque al corazón, derrame cerebral y agotamiento.’  Una leyenda conmemorada ahora a través de este proyecto que plasma gráficamente algunos de los bailes más imitados e influyentes de la historia del cine. ^–*_dance, dance!

Mis bailes favoritos:

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chuck berry – you never can tell.mp3

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Helen Steel diseña y crea sus propios patrones, haciendo realidad esta serie de accesorios para el hogar de filosofía #handmade cuya ternura y amor por la naturaleza me han cautivado al momento. Destacando sus pajaritos para colgar en los pomos de nuestros armarios y sus alegres cojines ‘animales’. ^—*_cute!

Aquí algunos diseños de Helen Steel:

Mp3 del post;

Brewer & Brewer – Rainbow.mp3

Hoy entrevisto a Sara Landeta, artista visual e ilustradora canaria instalada en Madrid, cuyo imaginario y espíritu creativo queda latente en sus collages, ilustraciones y curiosas instalaciones realizadas a partir de objetos de nuestro entorno y figuritas propias de las maquetas de tren. Un Universo fantástico en el que la fantasía se diluye entre la ironía y su infinita curiosidad por nuestro planeta y los gestos de sus habitantes. ¡Si os gusta, pronto podremos apreciar su obra en la feria de arte ArtMadrid de la mano de la Galería 6mas1! ^–*_aquí sus respuestas!

Entrevista a Sara Landeta:

KAHLO: Buenas tardes Sara, cuéntanos un poco sobre ti.
SARA LANDETA: ¡Hola! soy de Tenerife, pero hace ya bastante que me vine a vivir a Madrid, y fue aquí donde estudié primero pintura mural en la escuela de La Palma y más tarde ilustración en la escuela de Arte10.

K: ¿Eres freelance? ¿Has trabajado en algún estudio?
SL: Sí, soy freelance. Hace algo más de un año monté junto a dos socias un estudio de diseño e ilustración en Madrid, QuiboStudio. Empecé el proyecto pensando que saldría bastante trabajo de ilustración pero no fue así, casi todo lo que salía era de diseño y aunque el ordernador no se me da nada mal tampoco acaba de caerme muy bien, la verdad. Así que dejé el estudio con el fin de poder centrarme en mi campo y, por lo menos, intentar vivir de la ilustración.

K: ¿Qué es lo que más te gustaba dibujar cuando eras pequeña?

SL: No me acuerdo demasiado, pero hubo una época en la que creo que dibujaba muchos platillos volantes, o eso me ha dicho mi madre.

K: ¿Cuáles son tus principales puntos de inspiración?

SL: Me gustan las formas básicas cómo base de construcción para todo, me gusta observar cómo a una forma sencilla se le pueden aplicar diferentes funciones. El rectángulo es una de las formas más funcionales. Aprecio el constructivismo, por su parte funcional, y por la emocional saco inspiración de muchas cosas, me atrae mucho observar la actitud de la gente, su disposición y gestos, entre otros aspectos.

K: ¿Cuales son tus autores, y artistas contemporáneos, favoritos?

SL: Por suerte hay mucho arte por el mundo, así que tengo muchos. David Hockney, Elizabeth Peyton, Otto Dix, Edward Hopper, Andrew Hunt, Ros Rixon, Yoshimi Kihara, Margaret Bursa, Thomas Hillier… Últimamente siento un gran interés por el art brut y el outsider.

K: ¿Qué técnicas sueles utilizar para representar tu universo? ¿Con cuáles te sientes más a gusto?
SL: La base de todos mis dibujos son los lápices pastel y el collage, dos de las técnicas con las que más a gusto me siento, aunque también utilizo acrílico y la tinta.

Últimamente he empezado a hacer instalaciones en las cuales utilizo objetos cotidianos y personajes de maquetas de trenes, cuyo conjunto me ayuda a conseguir escenas bastante irónicas, que es lo que busco.

K: ¿Qué es lo más importante para ti cuando llevas a cabo una obra o proyecto?

SL: Disfrutarlo, que es cómo mejor terminan las cosas.

K: Has participado en distintas exposiciones en Madrid. ¿Qué tal la experiencia?
SL: Muy bien, este último año he expuesto varias veces en la Galería 6mas1, galería que ha confiado en mí acogiéndome como artista de su espacio, estoy muy a gusto con ellos. Cuando trabajas con una galería te sientes más respaldada, te ayudan a desarrollar proyectos artísticos y sobre todo te ayudan a conocer el mundo del arte contemporáneo, que ya es bastaste complicado de por sí…

K: Pronto volverás a participar en una exposición. ¿Podrías hacernos un pequeño adelanto?
SL: ¡Pues sí! Entre este 16 y 19 de febrero estaré con la Galería 6mas1 en la feria de arte ArtMadrid, compartiendo stand con otros artistas de la galería cómo Chefer, Julio Falagán, Fernando Bayona, Mar Cuervo y Raúl Lázaro.

K: Para despedirnos, ¿qué te parece un baile?

SL: ¡Genial! ¿conoces El Guincho?

K: Muchas gracias Sara, desde dadanoias estaremos atentos a tus proyectos ^-^!

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Tony Dusko es uno de eso profesores de primaria que considera que el arte y la creatividad puede ayudar a motivar a sus alumnos a aprender y aumentar su curiosidad por el mundo. Algo que le llevó a estudiar animación y crear su propia serie animada titulada ‘Notebook Babies’, para compartirla en clase con sus alumnos de quinto curso y en Internet. Una serie con más de 700 capítulos, y un estilo gráfico tan tierno, y acorde con las temáticas escolares contemporáneas, que ha llegado a ser emitida en algunos episodios de ‘Sesame Street’. Y es que cuando uno cree en lo que hace se nota… ^–*_ojalá todos los profes fuesen como él!

Aquí algunos de mis capítulos favoritos:

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• dusko

La gama de accesorios que la diseñadora londinense Kate Clarke comparte con nosotros en su tiendecita particular se han ganado mi sonrisa y admiración a través de sus alegres y divertidos estampados inspirados en la naturaleza. Combinando con gracia y estilo las formas, como recortadas, con una paleta de colores de lo más femenina y vistosa. ¡Aix, me encantaría desayunar con una de sus tazas! ^-*_ superluvit!

Aquí algunos diseños de Kate Clarke:

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Natalie Merchant – Last Goodbye (Jeff Buckley cover).mp3

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• accesorios

Después de haber trabajado más de dieciocho años en el diseño de estampados dentro de la industria de la moda, la artista y diseñadora de moda de origen cubano Lourdes Sánchez se independizó profesionalmente para crear su propia marca. Especializándose en la creación de estampados realizados a mano, con acuarela, e imprimiendo su sello personal en cada una de sus únicas y fascinantes creaciones. Texturas abstractas, infantiles, floreadas, geométricas, vintage… ^–*_she’s in Brooklyn now!

*Vía Oh Joy!

Aquí algunos estampados de Luli Sánchez:

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Herman Dune – Not on Top.mp3

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• handmade

Las comparaciones son odiosas, menos en casos tan geniales como el que ha llevado a cabo Vahram Muratyan a nivel gráfico y conceptual enfrentando gráficamente las dos capitales más importantes de la cultura occidental. ‘Paris vs. New York’, un proyecto convertido en libro, en el que su autor ha logrado plasmar las principales diferencias entre ambas ciudades sin posicionarse a favor o en contra de una, e ilustrándolo con un sentido del humor de lo más sintético y genuino. Me ha hecho sonreír con sus páginas… ^—*_superluvit!

Aquí algunas de las obras de ‘Paris vs.New York’:

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Patrick Watson – Giver.mp3

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Entrar en el mundo ilustrado de Mari Kanstad Johnsen es como recordar un sueño en el que nuestra edad cambia por momentos y todos nuestros referentes culturales se mezclan con las emociones y el sentimiento humano que las acompaña. Entre el carboncillo y las manchas de color, como si todo pasara a la vez, como si la fantasía fuese real y nuestros recuerdos formasen parte del futuro. Consiguiendo hacer de sus dibujos toda una experiencia artística de la que dejarse llevar, como cuando hablamos hacia adentro. ^–*_from Oslo!

Aquí algunas ilustraciones de Mari Kanstad Johnsen:

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Eddie Vedder – Guaranteed.mp3

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Gretel Parker y sus muñequitos de fieltro parecen haber salido de un cuento de Beatrix Potter, situados en una pequeña casita de 240 años de antigüedad estampada en los verdes campos de Cotswolds (Inglaterra), junto a su pareja y cuatro gatitos. Diseñando, pintando y cosiendo cada muñeco como si al hacerlo cobrasen vida, además de publicar libros infantiles tan entrañables como ‘Mrs Mouse’s Cupcakes’ y ‘Peggy’s Lost Pennies’. ^—*_aquí su etsy y su flikcr!

Aquí algunos muñecos de fieltro de Gretel Parker:

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Jefferson Airplane – White Rabbit.mp3

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Cogiendo como referencia cuentos tan maravillosos como ‘Fitcher’s bird’ de Los Hermanos Grimm, ‘Barba Azul’ de Charles Perrault o ‘La niña que pisoteó el pan’ de Hans Christian Andersen, Egene Koo logra plasmar en su obra ese sentimiento de ‘infancia sin fin’ tan identificativo de nuestros días. Trasladando en imágenes esa magia y dicotomías de la cultura contemporánea a través de los mitos universales de la literatura infantil. ^–*_from Korea!

Aquí algunas obras de Egene Koo:

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Pauline croze – T’es beau.mp3

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Os presento a Estela Cuadro, diseñadora gráfica e ilustradora argentina nacida en 1979, cuyas obras logran plasmar una espiritualidad y curiosidad por el Universo de la que hoy tenemos la suerte de conocer un poco más gracias a la entrevista que tan amablemente ha concedido a dadanoias. Dejando volar sus palabras e imaginación como lo hace sobre el lienzo al experimentar con la tinta china, y múltiples técnicas, logrando ese movimiento y fluidez tan característico de su estilo, y lo que nos rodea. Os aseguro que conocerla es una sensación parecida a la de volar…^–*_aquí la entrevista!

Entrevista a Estela Cuadro:

KAHLO: Estela, cuéntanos un poco sobre ti…

ESTELA CUADRO: Nací el 22 de mayo de 1979 en Buenos Aires, me formé como diseñadora gráfica e ilustradora en la Universidad de Buenos Aires. Viví toda mi infancia en San Antonio de Padua, una localidad totalmente alejada de la Capital Federal, donde empecé mi primer taller de dibujo y pintura.

Este primer incentivo continuó en distintos talleres durante algunos años, recreando mi imaginación, hasta que finalmente comencé la carrera de Diseño Gráfico en la UBA. Fue en esta carrera donde me encontré con el taller de ilustración de Silvia Mato, donde todavía sigo presente.

K: ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración más importantes?

EC: La música, es una de las fuentes inspiradoras a la hora de hacer mis obras, me gusta dejarme llevar por su armonía, melodía y ritmo. Varias veces producen el sentido estético o expresivo de la misma. Los sonidos de la naturaleza, como la lluvia, el agua o el viento entre otros, me sumergen en atmósferas distintas.

Un buen libro de cuentos me transmite nuevos horizontes. Me gustan mucho los de ciencia ficción, actualmente uno de mis libros favoritos es ‘Crónicas Marcianas’ de Ray Bradbury. Un mundo de cosas nuevas, personajes, contextos y elementos situados en el planeta Marte; cuentos muy inspiradores.

Otra de mis grandes aficiones es la astrología, la relación entre el cielo y la tierra y la interpretación del ser humano incorporada en ella. La conexión de nosotros en relación al Universo, me hace vivir con más consciencia, libertad y alegría.  Cada día me interesa más saber sobre nuestras energías y las relaciones cósmicas, así como el estudio de los Chacras, de donde aprendí los centros energéticos del ser humano.

La interpretación de mis obras me gusta dejarla al azar, sin ser literal y buscando despertar los sentidos de otras personas. El poder llegar a ellas me llena de satisfacción.

K: ¿Qué es lo más importante de tus días?

EC: Disfrutarlos. Aunque existan cosas rutinarias, trato que eso no afecte a mis días. Muchas veces desearía que todo fuese menos estructurado, que hubiesen menos cosas relacionadas con el deber y más con lo placentero o lo que cada uno ama hacer. Me gusta llegar a casa, ver a la persona que más amo en mi vida, una copa de vino, una rica comida y estar rodeada de personas que realmente valen la pena.

K: ¿Y de tus noches? ¿Sueles recordar los sueños?
EC: Siempre quise recordar mis sueños pero, sinceramente, mi inconsciente no me deja demasiado. Son pocos los que tengo presentes y en la mayoría de ellos son sólo fragmentos.

Varias veces sueño que quiero abrir los ojos y no puedo, hago fuerza para abrirlos y no hay manera. Y cuando sigo intentando no verlo todo negro, y poder ver, me doy cuenta de que estoy muerta. Es una sensación muy extraña, siento mucha curiosidad por su significado. Cuando despierto me invade una sensación realmente rara, compartida con el gran alivio de poder ver y comenzar un nuevo día.

K: ¿Cuáles son tus artistas favoritos?

EC: Amy Cutler, Pablo Picasso, Gustav Klimt, Paul Klee, Egon Shiele, Remedios Varo.

K: ¿Qué tipo de técnicas te gusta más utilizar para la realización de tus obras?

EC: Actualmente estoy experimentando con las acuarelas, las tintas chinas, y mixeando con otras técnicas. Pero la base de mis obras es la tinta china, su fluidez me permite darle más movimiento y expresividad a mis obras.

En años anteriores usé mucho los acrílicos y ahora quería ver lo que pasaba al usar otra técnica más aguada. Además, me fascina mezclar distintos productos naturales, frutos, sales, arena y químicos como el detergente. Creo que lo que más me atrae de toda esta experimentación es ver como todo se muestra con más fluidez. El movimiento que genera esta técnica, cómo se expanden las manchas y marcan rasgos definidos de personajes, animales, y hasta paisajes. A partir de ellos sigo trabajando con lápices, biromes y acrílicos, entre otras cosas.

K: ¿Qué tal te llevas con el ordenador?

EC: Estoy un poco cansada de la computadora, no es que no me guste pero mi trabajo diario ya me obliga a estar nueve horas diarias frente a una pantalla. Desearía tener más tiempo para disfrutar del día dibujando, y no de noche como lo hago actualmente.

K: ¿Qué te da más miedo?

EC: La muerte, el seguir perdiendo seres queridos, la violencia…

K: ¿Te consideras impulsiva?

EC: Soy 100% impulsiva. El instinto es un punto clave en gran parte de mi obra. A veces desearía ser más racional, aunque no significa que no lo sea, pero siempre surge en mí esa parte más espontánea, que es mi forma de ser. El hecho es que disfruto más siendo pasional, enérgica y efusiva, que estando cuestionándome todo lo que hago.

K: Un proyecto del que te sientas especialmente orgullosa…

EC: Anualmente hacemos un anuario de ilustradores argentinos. Es un proyecto del cual me enorgullece formar parte. Es estupendo ver como cada artista ha proyectado su obra desde diferentes perspectivas durante el año.

También estamos por lanzar, junto con una amiga y compañera de trabajo, un proyecto nuevo, sobre productos de decoración y diseño. Pero esto es muy nuevo, y muy reciente. Lo esencial son las ganas que tenemos frente a este nuevo emprendimiento. Ganas de crear, de pensar, de estudiar materialidades y ver como llevamos a cabo ilustraciones y cosas que nos gusten. Las dos somos diseñadoras gráficas y empezar a trabajar desde los encastres y materialidades es un nuevo desafío, y eso aún nos entusiasma más.

K: Si pudieras volar irías hasta…

EC: Hasta donde pudiera volver a encontrar a mi abuela, un lugar imaginario e impreciso.

Y, un lugar real, sería la India. Me genera incertidumbre conocer a su gente, el nivel de sensibilidad que tienen, la percepción musical, la danza, lo cromático y la relación de ellos con el arte. Todo lo relacionado con sus creencias y especialmente la meditación. Me parece muy interesante como los indios han logrado conservar sus tradiciones previamente establecidas, mientras que absorben nuevas costumbres, tradiciones e ideas de los inmigrantes, extendiendo al mismo tiempo su influencia cultural a otras partes de Asia. Me gustaría conocer su arquitectura, de grandes variaciones, además del interés que me generan sus influencias budistas, musulmanas y europeas, así como su desarrollo cinematográfico y teatral.

K: Un Mito que te haya marcado…

EC: El Dios del Sueño, de la grecia antigua.

K: Un recuerdo importante para ti…

EC: El nacimiento de Agus, mi hermanita más chiquita.

K: Y una canción….

Eddie Vedder – No Ceiling (Into the Wild)

K: ¡Muchas gracias Estela! Un abrazo enorme desde Barcelona.

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Cada día, la diseñadora gráfica e ilustradora de Melbourne, Eirian Chapman sube a su tumblr un nuevo diseño de peineta surgido de su imaginación, y fascinación por los ornamentos relacionados con el cabello, en su nuevo proyecto: ‘Teeth & Hair’. Un tumblr en el que podemos disfrutar de sus coloridas y geométricas propuestas para el pelo, y que tiene la intención de llevar hasta el número cien para luego escoger las mejores y hacer una exposición. Ojalá que se materialicen en el futuro. ^–*_vía the design files!

Aquí algunas de mis peinetas favoritas de Eirian Chapman:

Mp3 del post;

Stevie Wonder – We Can Work It Out.mp3

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• diseño peinetas

‘Voyage Voyage’, hoy viajamos hasta Ginebra para entrevistar a Mirjana Farkas, ilustradora suiza formada en Barcelona, cuyas serigrafías, collages e ilustraciones desprenden un brillante sentido de la composición y la forma además de trasmitir una aguda visión del mundo. Entre animales con rasgos humanos y referencias de lo más pintorescas, estoy segura de que os va a maravillar tanto como a mí...^–*_¡a continuación la entrevista!

Entrevista a Mirjana Farkas:

KAHLO: Entre Ginebra y Barcelona, ¿cómo ha sido tu formación académica?
MIRJANA FARKAS: Estudié Historia en Ginebra. Al acabar la carrera me trasladé a Barcelona para realizar mis estudios de ilustración en la Massana (2004-2007) y me quedé viviendo en la ciudad hasta el 2010. Todo lo que sé en cuanto a ‘ilustración’  lo aprendí allí, gracias a mis mis profesores, como Arnal Ballester y Pep Montserrat, mis compañeros de clase y otros amigos también ilustradores. Ahora, de nuevo en Ginebra, sigo aprendiendo mucho entre los encargos y mis proyectos personales, además de mis frecuentes visitas a Barcelona.

K: Acabas de participar en la exposición colectiva ‘Portraits de Famille’ en el Musée Forel de Morges, con un conjunto de serigrafías inspiradas en distintas familias del mundo. ¿Qué tal ha ido?

MJ: Sí, me ha encantado realizar cuatro imágenes para esta exposición, en la que Albertine invitó a 13 ilustradoras a proponer su vision del retrato familiar. Han salido trabajos muy diferentes, tanto de forma como de fondo.

K: ¿El hecho de que se tratasen de serigrafías influenció en su concepción?

MJ: La serigrafía es un medio que me encanta, como sus colores vibrantes. Cada vez  disfruto más preparando las imágenes para este tipo de impresión. Este último año he trabajado bastante con esta técnica, a dos y tres tintas, tanto para mi libro ‘la Java martienne’ como para mis páginas publicadas en Drozophile n°8.

Se trata de sintetizar el dibujo, de trabajar con el blanco del papel, con la mezcla de las tintas, intentando obtener una paleta más amplia que tus dos o tres tintas base. Imprimen mis imágenes en el taller de serigrafia Humbert Droz de Ginebra.

K:  También utilizas la técnica del collage en trabajos como “L’infidélité, valeur à la hausse” publicado en Le Temps u otras composiciones de prensa súper divertidas. ¿Cómo definirías tu vínculo con el collage?
MJ: El collage ha sido mi puerta para empezar a fabricar imagenes. Es un juego intelectual y gráfico que te permite saltar de una idea a otra a médida que montas tu puzzle de imagenes.  Suelo utilizar muchísimo esta técnica, incluso para pensar una imágen que luego dibujaré.

K: ¿De dónde sueles sacar las fotos que utilizas?
MJ: Las fotos antiguas salen de mi pila de revistas del año de la polka, unos Paris Match, catálogos de la Redoute, fotonovelas, etc., encontrados en la calle o en los Encantes. También siento un gran amor por los grabados que aparecen en los diccionarios y las enciclopedias antiguas.

K: Entre tus libros y proyectos, los animales adquieren un papel protagonista. ¿Cómo definirías esta pasión por ‘la fauna’?
MJ: Mis animales siempre tienen personalidad humana y a veces son autoretratos. Igual es más fácil representar sentimientos o emociones así.

Además, muchos animales son realmente gráficos y siempre han inspirado a muchos dibujantes. Como los dos libros nuevos en mi biblioteca de este año; uno sobre el « lubok », de grabado popular ruso, y otro sobre el «Bestiario de la Edad Media» de Michel Pastoureau, lleno de animales reales o míticos, estupendos.

K: Dentro de la Historia del Arte, ¿cuál es tu movimiento artístico favorito?
MJ: Un movimiento no sé,  las imágenes me vienen en mente son ‘El jardín de las delicias’ de Bosco, los grabados de Posada, los de Félix Vallotton, los collages de Jacques Prévert, los cuadros de Gauguin, de Matisse…
K: ¿Y cuáles son los ilustradores contemporáneos que más admiras y te sorprenden?
MJ: De mi entorno, por ejemplo, Arnal Ballester, Luci Gutierrez, Brecht Evens, Gina Thorstensen, etc. En las librerias: Glen Baxter, Anna Sommer, Atak, Blexbolex,  y muchos de los autores que publican en la editorial Nobrow.
En general, admiro a las personas que combinan una gráfica poderosa con un discurso dulce, amargo, cínico, inteligente, sabroso, con sentido del humor.

*grabado de  Vallotton.

K: ¿Qué es lo más importante para ti, como ilustradora y diseñadora gráfica, a la hora de realizar un póster o flyer?
MJ: El momento en el cual tu proyecto (ideas, palabras, colores, esbozos, dudas, silencios, etc.) se transforma en una imagen, aunque a veces no sea la que tenías prevista…

K: ¿Cuál es la parte del proceso con la que más disfrutas?
MJ: Disfruto bastante del proceso de búsqueda de material útil para el proyecto en cuestión (documentación, referencias, typos, paletta de colores, etc).

K: ¿Sueles escuchar música cuando creas?
MJ: Sí, escucho música y monto listas para mis amigos. Os dejo con una experiencia increíble como es escuchar música suiza…

K: ¡Qué experiencia tan bonita Mirjana! Muchísimas gracias ^—^!!

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¿Habéis soñado alguna vez en estampar telas con vuestras propias creaciones o patrones? Pues ahora con Spoonflower es muy sencillo, una servicio online que te permite estampar telas, sin casi pedido mínimo y a un precio muy asequible. Además de darte la posibilidad de comprar telas súper modernas y bonitas del propio portal y participar en su concurso ‘For the Fabric of The Week’, en el que se elige la tela de la semana entre todos los que participen. Un portal de filosofía ‘Make it you Own’ a través del cual hacer realidad muchos de los diseños que tenemos en mente, como camisestas, bolsos, monedores...^—-^!!!_vía Swiss Miss!

Aquí tres de mis telas favoritas en Spoonflower:

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Mary poppins – supercalifragilisticexpialidocious.mp3

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“‘Nader’ en Palestina se utiliza para referirse a algo que es poco común o que escasea” – le explicó el padre de Nader Sharaf a su hijo en mención a su nombre. Un nombre tan especial como la obra que hoy representa el Mundo de Nader, artista visual madrileño cuya sutileza e imaginación trasciende a cualquier formato u hora que pueda marcar el reloj. Trasladándonos al presente de nuestra percepción e invitándonos a entrar en sus ilustraciones de la manera inversa en las que fueron concebidas…^–*_aquí la entrevista!

Entrevista a Nader Sharaf:

KAHLO: ¡Nader Sharaf, qué nombre tan especial!
NADER SHARAF: A pesar de lo que mucha gente cree, Nader Sharaf es mi verdadero nombre. Mi padre es palestino refugiado en Amman y llegó a España después de cruzar en barco todo el Mediterráneo para cumplir su sueño profesional. Aquí conoció a mi madre y, después de otros hijos, nací yo.
Mi padre me dijo hace tiempo que la palabra “nader” se utiliza en su país para referirse a algo que es poco común o que escasea. El mismo nombre propio tampoco es muy habitual por esas latitudes.

K: ¿Cuándo supiste que ibas a dedicarte al arte visual? 

NS: Tener claro que iba a poder vivir de ello no lo he tenido hasta hace un par de años, cuando abandoné mi último trabajo para dedicarme enteramente a esto; y ni siquiera entonces sabía que iba a salir bien. No obstante, siempre he tenido claro que dibujar es lo que más me hace perder la noción del tiempo, algo que para mí es síntoma inequívoco de pasión y vocación. Durante años he dado muchas vueltas evitando enfrentarme al hecho de que ésto es lo que más feliz me hace, simplemente por el miedo que inflige pensar en consagrar la mayor parte del tiempo de tu vida a una misma actividad.

K: ¿Te gusta el café?

NS: Me encanta el café, pero el buen café, el que compro en grano y cuyo aroma inspiro recién molido. Para mí el café es toda una experiencia, un ritual para el que no me vale cualquiera. Es de las poquísimas cosas en las que me muestro muy tiquismiquis. ¡Y a pesar de ello, casi no lo tomo porque me acelera muchísimo!

K: ¿Cómo es tu estudio?

NS: Mi estudio se va construyendo poco a poco desde hace meses. Suelo tener a mano pilas y pilas de cuadernos y libretas, casi siempre a medio empezar, que han llegado hasta mí de formas muy diversas y cuya presencia me da una seguridad extraña y reconfortante. Me gusta rodearme de cosas hechas por otros artistas a los que admiro y tener a la vista todos mis materiales de trabajo aunque no vaya a utilizarlos. Además de buena música de fondo y una enorme taza de té verde.

K: La magia y el ilusionismo son elementos intrínsecos en tu obra. ¿Qué es lo que más te fascina de la vida?

NS: Que en el fondo no sabemos nada de ella y que, parafraseando a Kundera, no hay ensayos para vivirla porque el primero de ellos es ya la vida misma. Puede parecer desconcertante, pero es la clave para relajarse y ser más paciente e indulgente con uno mismo. Me fascina que no tengamos ni una mínima parte de las respuestas sobre porqué estamos aquí y a qué hemos venido, así como el hecho de que nadie esté en posesión de la verdad.

Me levanta mucho el ánimo ser consciente de la enorme complejidad de cada pequeña cosa que nos rodea. No es misticismo, es que todo es digno de ser observado hasta la extenuación y analizado hasta el infinito. Cuando se alcanza esa percepción de las cosas no hay hecho por mínimo que sea que no te fascine.

K: Además de Milan Kundera, ¿hay algún autor literario que te haya marcado especialmente?

NS: Hay unos pocos, pero entre ellos yo diría que sin duda Italo Calvino es el que más. Para mí era un genio absoluto y siempre que he leído alguno de sus libros he tenido que soltarlo y agitar la cabeza, como con incredulidad ante la magnitud de la inmensa obra que estaba leyendo. Era un magistral creador de imágenes, muchas de las cuales almaceno en mi cabeza.

K: ¿Y del mundo del arte?

NS: En general, lo que más me gusta son los artistas muy apasionados, esos a los que su estro les arrastra sin remedio a crear, sean de la disciplina artística que sean. Bacon o Barceló, por ejemplo, son algunos de los artistas que admiro por su pasión desmedida y salvaje hacia su trabajo.

K: ¿Llevas reloj?

NS: Nunca llevo reloj de muñeca, me molesta, y además en la sociedad en que vivimos es muy difícil encontrar un rincón donde no haya un reloj. El tiempo está muy presente vayas donde vayas, hay relojes por doquier marcándonos el ritmo, recordándonos que ya se nos está haciendo tarde para otra cosa. Para los relojes siempre es tarde.

K: ¿Qué simboliza el tiempo en tu obra?

NS: En mis dibujos, el tiempo es más una cuestión física. Lo que represento son instantáneas que dan paso a otra cosa donde yo ya no intervengo. Ese momento, a pesar de estar congelado, es siempre el presente, y cuesta referirse a él como “tiempo” porque no proviene de ningún pasado manifiesto ni va hacia ningún futuro explícito salvo, quizá, en la mente de quien los mira.

K: ¿Qué es lo que más ilusión te hace cuando acabas un dibujo?

NS: Que haya conseguido trasladarlo de mi cabeza al papel de la forma más fiel que haya podido. Y, si es posible, que el espectador haga ese mismo recorrido pero a la inversa.

K: ¿Qué representa el formato para ti?

NS: Antes mucho. Era para mí prácticamente determinante. Ahora menos. El formato no es más que un envoltorio, una forma de presentación que no desvirtúa en absoluto el valor de una obra, siempre y cuando se respeten las características del original. La gente le da mucha importancia al contacto con la obra original, y lo es, pero hay muchas maneras de disfrutar de una obra y es la sensibilidad de cada uno la que decide. Hay cuadros o dibujos que nunca he visto in situ, pero la emoción que me provocan es muy intensa.

K: ¿Bailamos?

NS: ¡Acepto encantado! Propongo bailar un vals acelerado con La Foule de Edith Piaf.

K: Muchas gracias Nader, me ha encantado bailar contigo ^—^!!!

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¿Quién dijo que ‘para siempre’ es mejor? Uno de los motivos por los que no llevo ningún tatuaje en mi cuerpo es por eso, porque yo no soy siempre igual y tanto mis preferencias estéticas y convicciones como mi cuerpo cambian con el tiempo. Algo que Tattly, una empresa dedicada exclusivamente a tatuajes temporales,  tiene muy presente en sus divertidas propuestas diseñadas por distintos ilustradores contemporáneos como Julia Rothman, Marc Johns o Blanca Gómez (mi favorita). Una idea genial tanto para los amantes de las nuevas tendencias como para los más pequeños, ¡qué anda que no se lo pasan bien con estas cosas! ^–*_calcomanía power!

Aquí algunos de los diseños de Tattly:

Mp3 del post;

Cibo Matto – Birthday Cake.mp3

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Hoy hablamos con Susana del Baño Ranner, ilustradora y diseñadora de estampados instalada en Barcelona, a quien descubrí por su tiendecita de acento handmade ‘Pink Sardine‘, y cuyos trabajos en editoriales de libros infantiles y papeles pintados inundan de familiaridad y color un mundo repleto de posibilidades. Elegante y divertida, estoy segura de que os va a encantar al instante, a vosotros y a vuestros hijos o sobrinitos. ^—*_a continuación la entrevista!

Entrevista a Susana del Baño Ranner:

KAHLO: ¡Buenas tardes Susana! ¿Cómo surgió la idea de crear Pink Sardine, tu propia marca?
SUSANA DEL BAÑO RANNER: A parte del diseño y la ilustración, siempre me ha divertido crear objetos, por curiosidad o para hacer algún regalo especial, hecho a mano. La marca surgió como una posibilidad de dar a conocer esos objetos y poder comercializarlos.

K: Los objetos que vendes en ‘Pink Sardine’ están destinados a ‘niños modernos y padres felices’. ¿Cómo es su proceso de creación?
S: Yo diseño cada uno de los objetos y después confecciono un prototipo que modifico hasta que estoy satisfecha con el resultado, es decir, queda bonito y cumple bien su función. Para poder servir los pedidos que recibo trabajo con la ayuda de una confeccionista.

 
K: ¿Qué tal es esto de vender online? ¿Podemos encontrar tus creaciones en alguna tienda física?
S: La venta online está empezando a funcionar en nuestro país de manera muy lenta, estamos acostumbrados a comprar productos de marcas conocidas, pero ya nos vamos atreviendo con otros productos. Es muy tentador, nos llega mucha información a través de la red, además es fácil y rápido.
Por ahora, tengo más ventas en las tiendas físicas que a través de la tienda online. Ahora mismo se pueden encontrar los productos de Pink Sardine en tiendas de Barcelona como I Love Kutchi, Ma a Mà o Keboniko, además estoy empezando a vender en el resto de España.

K: A parte de a tus propios productos, te dedicas a la ilustración infantil colaborando con distintas editoriales del sector, como Anaya o Imaginarium. Llamándome especialmente la atención ‘El triomf d’en Polit Bonaveu’, Premio ‘El Vaixell de Vapor’ 2009, que me recordó un poquito a la estética del Pequeño Nicolás. En este ámbito, ¿cuáles son tus referentes más importantes?
S: ¡Gracias! es un elogio, el trabajo de Sempé, como el Pequeño Nicolás es una maravilla, es tan expresivo y fresco. A parte de grandes ilustradores como Sasek, Olle Eksell, admiro mucho el trabajo de contemporaneos como Javier Zabala, Beatrice Alemagna o el dibujante de comic Brecht Evens, lo descubrí hace poco y me quedé alucinada.

K: ¿Qué es lo más importante para ti cuando ilustras un libro infantil?
S: Lo más importante es el texto, la historia. Cuando conecto con la historia y entiendo a los personajes, el trabajo es mucho más divertido y las cosas fluyen.

K:¿Sueles trabajar siempre a lápiz y papel?
S: Suelo trabajar sobre papel en la primera fase. Utilizo gouache, lápiz, collage, me gusta estar en contacto con estos materiales, en mi caso es parte fundamental de mi proceso creativo. Después, termino siempre el trabajo con el ordenador, ¡que es una herramienta fantástica!

K: El diseño de ‘patterns’ es otro de los campos que dominas y trabajas a nivel profesional. ¿Cómo lo vives?
S: El diseño de patterns es algo que disfruto mucho, hace ya años que empecé haciendo diseños para textil hogar para niños. Actualmente trabajo también creando diseños para papel pintado y textil hogar. En los diseños para niños me gusta crear personajes que podrían ser extraidos de un cuento, a los niños les encanta.  También disfruto de los diseños abstractos, de los motivos orgánicos, a veces el color es lo más importante de un estampado, disfruto mucho trabajando el color.

K: En el futuro, ¿Te gustaría hacer alguna animación?
S: ¡Sí! Me atrae mucho el Stop Motion, es algo pendiente, espero encontrar el momento. Me gusta mucho el trabajo de PES, un artista que hace maravillas con esta técnica.

K: ¿Cuál es tu película, cortometraje o videoclip de animación, favorito?
S: Una de mis películas favoritas en animación es La novia cadáver de Tim Burton, es genial, los personajes, la música…

K: ¿Que canción consideras que encajaría en tu mundo?
S: Rising de Lhasa de Sela

K: ¡Me encanta Lhasa de Sela!

S: Lhasa es buenisima, es verdad. ¡La vi en concierto hace unos años en el Apolo, fue precioso!

K: Muchas gracias Susana, te seguiremos siempre ^—^!

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Nombrado por la revista ‘PRINT’ como uno de los veinte mejores artistas visual del mundo menores de treinta años, Oliver Munday se distingue por su talento ilustrativo y la inteligencia con la que logra plasmar el concepto de cada uno de sus proyectos a través de sus composiciones gráficas. Destacando las portadas de libros que ha diseñado para distintos autores de la talla de Noam Chomsky y editoriales como Penguin, todas fantabulosas.^-^!_superluvit!

Aquí algunas portadas de Oliver Munday:

Mp3 del post;

Alela Diane – The Rifle.mp3

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Nos vamos hasta la frontera del norte de Mexico para entrevistar a Luis Safa, artista visual e ilustrador responsable del maravilloso Mundo de Caracrimen. Un espacio repleto de vitalidad y fuerza visual en el que disfrutar desde sus ilustraciones editoriales, que han sido publicadas en medios españoles como ‘El País’, hasta el apasionado videoclip que acaba de ilustrar y dirigir de la canción ‘Una Piez Más‘, cantada por Marian Ruzzi y el Sr. Amable. ^–*_me mata!

Entrevista a Luis Safa:

KAHLO: ¡Buenas tardes desde Barcelona Luis! Este octubre presentase tu hermosa página web y portfolio CARACRIMEN, en la que podemos ver tus obras de ilustración, animación, y diseño gráfico, todas con un sello personal de lo más singular y llamativo. ¿Qué representa el folklore mexicano para ti? ¿Cómo lo vives?

LUÍS SAFA: Es raro, porque el ‘folklore mexicano’ es algo que está mucho más presente en el sur de Mexico, como Chiapas, Veracruz o Campeche, que en mi zona. Yo soy del norte,  de la frontera norte de México, a más de treinta horas de distancia en camión, aunque supongo que igualmente siempre he sentido una gran afinidad hacia lo que representa el folklore. Cuando era pequeño, mi madre y mi padre siempre traían artesanías de allí para decorar la casa y supongo que eso fue lo que me marcó. Todavía recuerdo, muy vivamente, una alcancía que teníamos.

K: Dentro de la cultura mexicana, ¿tienes algún autor fetiche?

LS: Me gusta lo que hace Dr. Lakra.

K: Has publicado algunas de tus ilustraciones en medios españoles como ‘El País’. ¿Hay algo que te llame especialmente la atención de España?

LS: España es un país que quiero visitar próximamente, me gusta lo que se hace allá en muchos sentidos. Conozco una revista llamada ‘fine rats’, me gusta lo que hace ‘aloha estudios’ y ‘rotor’ en cuestión gráfica, Belio Magazine y Ed Cariosa, estupendo ilustrador.
En el ámbito musical me gusta mucho ‘triángulo de amor bizarro’, ‘el columpio asesino’, ‘astrud’, ‘los punsetes‘, traen bastante onda los españoles…

K: También has trabajado en varias revistas de tendencias. ¿Qué tal te sientes en este ámbito?

LS: He colaborado en muchas revistas,  pero curiosamente creo que es algo de lo que me voy alejando, pues me llama mucho más la atención el video y lo que se puede hacer en el campo de animación.
El mundo de las revistas me gusta,  aunque es pesado aguantar el ritmo de cada publicación, porque todo lo quieren para ya. Antes me lo tomaba muy en serio, ahora colaboro en menos y más bien me lo tomo como ejercicios gráficos, un espacio donde explayarme y divertirme. Funciono como colaborador externo y me gusta así.

K: ¿Qué papel juega lo artesano y lo virtual en tu trabajo? ¿Sueles usar el ordenador dentro del proceso de realización de tu obra?

LS: Sí, seguro, sin el ordenador me muero, y sin mis manos también, creo que va un 50-50. Me encanta dibujar a lápiz y también me encanta escanearlo y colorearlo con el photoshop, dependiendo de lo que necesite hacer, pero suelo mezclar los dos medios, es parte del juego.

K: ¿Conoces el movimiento pop-surrealista? ¿Crees que encajas en él?

LS: Sé que suena trilladísimo, pero no intento encasillarme en algo ni nada. Supongo que alunas cosas sí y otras no, no me importa mucho. Pero sí, el pop-surrealismo me gusta mucho, es muy gracioso, supongo.

K: Las animaciones que has ilustrado son mágicas, supongo que para llevarlas a cabo has trabajado con artistas y profesionales de esta disciplina, y con los músicos. ¿Cómo ha s vivido estas colaboraciones?

LS: ¡Gracias! Suelo mezclarme en proyectos donde no exista la desconfianza, no me gusta mucho eso de que vean mi portafolio y que tengan que aprobarlo, realizar los bocetos y que tengan que aprobarlos, hacer stills y que tengan que aprobarlos, etc.
Una de las últimas colaboraciones que he realizado ha sido el videoclip de ‘Una pieza más‘, junto a unos músicos buenísimos: el Sr.Amable y Marian Ruzzi, a los que ya conocía de hace tiempo, por lo que todo fue muy cordial y ameno. Me pasaron la canción, me gustó bastante y me dieron una ‘hoja en blanco’ para hacer lo que quisiera. La escuché unas mil veces, y narré una trágica historia de amor, cómo deben de ser.

La verdad es que fue todo un reto, porque dirigir es algo muy diferente a animar. Le enseñé todo lo que había hecho a los chicos de BASA estudios, y ellos lo animaron.  Es muy gratificante trabajar con gente a la que admiro, cuando todos los que formamos parte del proyecto confiamos en que el otro hará un buen trabajo es cuando las cosas salen mucho mejor.

K: ¿Qué es lo más importante para ti cuando tienes que llevar a cabo una nueva obra?

LS: Aterrizarla supongo, llegar a imaginarte por qué quieres tal trazo, tal estilo, tal temática… La experiencia me ha enseñado que si tienes todo eso en cuenta todo va mucho mejor. Si no tengo claro lo que quiero hacer, no hace falta ni que encienda la computadora.

K:- Ahora que se ha acabado el 2011, ¿qué te parece si nos despedimos de él con una canción que sientas muy tuya?

LS: ¡Seguro! La de super castlevania de Triángulo de amor bizarro. ¡Me matan esos chicos!

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Tras estudiar danza y coreografía en la London Contemporany Dance School, Carolina Melis trasladó su pasión por el movimiento, y como este se organiza en el espacio, al campo de la ilustración y la animación; terminando así su segunda carrera en el Centro de Arte Saint Martins. Dos disciplinas unidas por una misma pasión cuyo magnífico resultado podemos apreciar tanto en sus vídeos animados como composiciones gráficas. Un mundo imaginario en el que dejarnos caer sobre los dedos de los árboles… ^—*_superluvit!

Aquí algunas ilustraciones de Carolina Melis:

Mp3 del post;

alina orlova – love song.mp3

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¡Porque nunca sabes cuando vas a necesitar un lápiz! Tim Easly los dibuja bajo su propia influencia, explorando todas sus posibilidades y dejando volar su imaginación a partir de las líneas que ellos mismos crean, como cuando los niños se miran ‘las manos’ y juegan con ellas por primera vez. Desde Londres, y de formación autodidacta, me encanta el humor y la libertad con la que Tim mira lo que dibuja…^–*_explorative illustrations!

Aquí algunas ilustraciones de Tim Easley:

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Clare & The Reasons – That’s All.mp3

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Las ilustraciones y composiciones del artista japonés contemporáneo Kono Tatsunori desprenden una calma y creatividad de lo más agradable e inteligente. Jugando con las formas geométricas simples propias de nuestro entorno; plasmándolas sobre papel, utilizando el lápiz y los colores de madera, desde la curiosidad más sincera. Me encanta la sencillez con la que capta la belleza del Mundo…^–*_superluvit!

Aquí algunas obras de Kono Tatsunori:

Mp3 del post;

Sister Rosetta Tharpe – My Journey to the Sky.mp3

Hoy descubrimos a Lotta Nieminen, talentosa diseñadora gráfica y maravillosa ilustradora finlandesa instalada en Nueva York, donde actualmente forma parte del equipo creativo del estudio de diseño RoAndCo. Con un portfolio de lo más femenino y original en el que tanto su visión cenital del mundo como sus logradas paletas cromáticas, con texturas vintage, logran convertir sus propuestas en todo un referente visual. ^–*_she’s so fine!

Aquí algunas ilustraciones y propuestas gráficas de Lotta Nieminen:

Mp3 del post;

 Odetta – Hit Or Miss.mp3

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¡Qué mejor manera de empezar el año que con las entrañables ilustraciones y tarjetas de felicitación del ilustrador norteamericano Steve Mack! De estilo infantil y un sentido gráfico marcado por los dibujos de los 50’s y las texturas vintage, es agradable sentir la familiaridad y alegría que transmiten sus propuestas. ^—*_do The robot Dance!

Aquí algunas ilustraciones geniales de Steve Mack:

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Drifters – A little bit of soap.mp3

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