Hoy tengo la suerte de entrevistar a Vicenç Viaplana para descubrir ‘Insectotròpics’, una nueva compañía catalana formada por artistas de diferentes ámbitos y lenguajes con ganas de experimentar en la creación colectiva, fusionando distintas disciplinas como las artes plásticas, la videocreación, la música, la poesía y el teatro para la creación de espectáculos. Presentando así ‘La Caputxeta Galàctica’, un espectáculo escénico de arte multimedia que versiona el cuento de la Caperucita Roja, mostrándonos el viaje iniciático de este personaje desde una perspectiva tan intimista como contemporánea. Un proyecto financiado a través del micromecenaje cuyo futuro ya incluye su representación en distintos festivales, además de convertirse en todo un referente de las nuevas tendencias en el campo de las artes escénicas. ^–*_seguir leyendo!

Entrevista a Vicenç Viaplana:

KAHLO: ¿Qué es ‘Insectotròpics?
VICENÇ VIAPLANA: Insectotròpics es una compañía artística creada por los pintores Xanu y eeeex, los videocreadores Laia Ribas, Maria Thorson y VVV, y el músico Tullis Rennie. Anteriormente habíamos colaborado juntos en proyectos personales pero hasta la ‘Caputxeta Galàctic’a, nuestro primer proyecto insectotrópico, no nos hemos constituido como grupo. Uno de los objetivos de la compañía es investigar en las posibilidades plásticas y narrativas de la interacción entre las diferentes disciplinas artísticas. Experimentar, equivocarse y saber caminar en territorios desconocidos.

K: ¿Cuáles han sido vuestros referentes a nivel conceptual?
VV: Personalmente, que vengo del mundo del video, me interesa mucho lo que hacen The Light Surgeons y The Big Art Group. En sus espectáculos siempre hay una búsqueda por encontrar nuevos lenguajes audiovisuales. A nivel de grupo, cada uno aporta todas sus influencias. Eeeex bebe mucho de mitología griega y egipcia o de ritos iniciales africanos y masones. Xanu tiene un enfoque más filosófico, con influencias estoicistas o de Cicerón. Los referentes de Laia son más de Jodorowsky y la psicomágia o Carles Santos… Es divertido trabajar con toda esa union de referentes tan diferentes, todo acaba sumando.

K: ¿Cómo nace vuestro primer proyecto de ‘La Caputxeta Galáctica’?
VV: La intención de la Caperucita Galáctica es hacer un live cinema, es decir, una creación a tiempo real de una obra audiovisual. Durante la representación el espectador está viendo la película y al mismo tiempo su proceso de creación. Lo que nos está costando más és conseguir una buena interacción entre las diferentes artes, equilibrar su peso en la obra y sin perder de vista que estamos explicando una históra que tiene que ser comprendida por el espectador.

 
Hemos incorporado a Mar Nicolás, que viene del mundo del teatro e interpreta la caperucita de carne y huesos. Así que en esta obra tenemos pintura, interpretación, video y música en directo con el objetivo de explicar una versión libre del cuento de la capercita roja.
En nuestra versión la caperucita no le hace mucho caso a su madre y decide salirse del camino. Su intuición le llevará a zonas desconocidas del bosque, a encontrarse con el lobo y a liberarse de sus miedos y presiones…

K: Como Vicenç Viaplana Ventura, ¿cuál es exactamente tu papel en el proyecto?
VV: En el espectáculo utilizamos 5 cámaras en vivo, 3 proyectores, 2 ordenadores (de video), hay una gran cantidad de cables y conexiones diferentes. Una de mis responsabilidades es que todo funcione . Hay que saber como está todo conectado por si falla algo encontrar una solucion rápida. En la Caputxeta Galàctica el mundo de la interpretación y la pintura quedan digitalizados gracias a las cámaras que envían las señales a un ordenador. Yo estoy en ese ordenador, junto a una librería de clips pregrabados. Según la escena voy incorporando o eliminando filtros, doy paso a los clips que toca en cada momento o hago las transiciones entre escenas. Es un trabajo poco visible, durante el espectáculo estoy delante de un ordenador, pero hace que todo funcione como debería. Finalmente la señal de salida de mi ordenador llega a un mezclador de video donde Laia, que es la realizadora, va marcando el tempo de las escenas y va dirigiéndonos a todos.

K: ¿Ya habéis llevado a cabo alguna representación?
VV: En Noviembre tuvimos la primera actuación en el festival Mira! y gustó (o eso es lo que nos decía la gente y lo que leímos en un par de blogs que nos mencionában). Además del Mira! hemos hecho un par de ensayos con público. Nos va bien trabajar bajo la presión de tener que hacer algo presentable cada 3 o 4 semanas. Siempre grabamos las actuaciones y al dia siguiente las revisamos e intentamos mejorar los puntos flojos.

 
Durante el último ensayo con público repartimos un cuestionario a los asistentes y les preguntábamos por los puntos flojos, seguimiento de la historia, etc. Nos va muy bien tener este feedback para acercarnos a la obra desde un punto de vista externo.

De momento cada representación ha sido muy diferente de las otras, vamos aportando nuevos descubrimientos. El espacio donde representamos también condiciona, si somos todos o hacemos una versión más reducida, etc. ¡Hay muchas caperucitas galácticas!

K: ¿Qué tal ha sido la reacción del público?
VV: En general la valoración es muy positiva, siempre hay cosas a mejorar pero la sensación que te llevas es que gusta a la gente.

K: ¿Tenéis intención de llevarlo a algún festival más? ¿Algún avance, para apuntarnos las fechas?
VV: Tenemos la presentación oficial de la Caputxeta Galàctica el viernes 16 de Marzo en el convent de St. Agustí (Bcn). ¡Estáis todos invitados! Ahora estamos cerrando fechas para festivales y teatros. De momento nos han invitado a dos festivales europeos, de los mejorcitos(!), pero aún no lo han anunciado, así que no lo podemos hacer oficial. Si queréis estar informados iremos anunciando fechas a través de nuestra web, Facebook y Twitter.

K: Para financiarlo habéis apostado por un proyecto de crowdfounding. ¿Qué tal está siendo la experiencia?
VV: Hasta ahora hemos podido hacer las representaciones gracias a la ayuda de amigos, que nos han dejado el material que no teníamos (micros inalámbricos, proyectores, cámaras, etc.). Pero llega un momento en que quieres conservar los amigos y te das cuenta que ya no puedes pedir más. Por eso hemos iniciado un proyecto de micromecenaje para poder comprar todo el material que nos falta. Con pequeñas aportaciones empezando por 5 hasta 500 euros, esperamos llegar en 40 días a los 4.000€ que necesitamos.

 
Los primeros días del crowdfounding están yendo muy bien y estamos muy agradecidos. Estas colaboraciones son de los amigos incondicionales que siempre están allí. Ahora viene lo complicado, continuar con el mismo ritmo hasta llegar a nuestro objetivo. ¡Os animamos a colaborar!

 
Hemos pensado en contraprestaciones que a nosotros mismos nos gustaría recibir. Por ejemplo, aportando 35€ recibes a cambio una entrada para una representación, ponemos tu nombre en los visuales del espectáculo, recibes un póster y una camiseta exclusiva diseñada por nuestros pintores y un cd de la banda sonora del espectáculo. Os paso el link para poder ayudar y hacer difusión: http://www.verkami.com/projects/1329-la-caputxeta-galactica/

K: Sin duda colaboraremos, y desde dadanoias seguiremos vuestro proyecto con muchísimas ilusión y atención. ¿Un baile para terminar la entrevista?
VV: Gracias a ti por la entrevista. Me despido con la canción “Flying into Tokyo” de Magnetic Man, me gusta trabajar con canciones instrumentales.

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Hoy entrevisto a Sara Landeta, artista visual e ilustradora canaria instalada en Madrid, cuyo imaginario y espíritu creativo queda latente en sus collages, ilustraciones y curiosas instalaciones realizadas a partir de objetos de nuestro entorno y figuritas propias de las maquetas de tren. Un Universo fantástico en el que la fantasía se diluye entre la ironía y su infinita curiosidad por nuestro planeta y los gestos de sus habitantes. ¡Si os gusta, pronto podremos apreciar su obra en la feria de arte ArtMadrid de la mano de la Galería 6mas1! ^–*_aquí sus respuestas!

Entrevista a Sara Landeta:

KAHLO: Buenas tardes Sara, cuéntanos un poco sobre ti.
SARA LANDETA: ¡Hola! soy de Tenerife, pero hace ya bastante que me vine a vivir a Madrid, y fue aquí donde estudié primero pintura mural en la escuela de La Palma y más tarde ilustración en la escuela de Arte10.

K: ¿Eres freelance? ¿Has trabajado en algún estudio?
SL: Sí, soy freelance. Hace algo más de un año monté junto a dos socias un estudio de diseño e ilustración en Madrid, QuiboStudio. Empecé el proyecto pensando que saldría bastante trabajo de ilustración pero no fue así, casi todo lo que salía era de diseño y aunque el ordernador no se me da nada mal tampoco acaba de caerme muy bien, la verdad. Así que dejé el estudio con el fin de poder centrarme en mi campo y, por lo menos, intentar vivir de la ilustración.

K: ¿Qué es lo que más te gustaba dibujar cuando eras pequeña?

SL: No me acuerdo demasiado, pero hubo una época en la que creo que dibujaba muchos platillos volantes, o eso me ha dicho mi madre.

K: ¿Cuáles son tus principales puntos de inspiración?

SL: Me gustan las formas básicas cómo base de construcción para todo, me gusta observar cómo a una forma sencilla se le pueden aplicar diferentes funciones. El rectángulo es una de las formas más funcionales. Aprecio el constructivismo, por su parte funcional, y por la emocional saco inspiración de muchas cosas, me atrae mucho observar la actitud de la gente, su disposición y gestos, entre otros aspectos.

K: ¿Cuales son tus autores, y artistas contemporáneos, favoritos?

SL: Por suerte hay mucho arte por el mundo, así que tengo muchos. David Hockney, Elizabeth Peyton, Otto Dix, Edward Hopper, Andrew Hunt, Ros Rixon, Yoshimi Kihara, Margaret Bursa, Thomas Hillier… Últimamente siento un gran interés por el art brut y el outsider.

K: ¿Qué técnicas sueles utilizar para representar tu universo? ¿Con cuáles te sientes más a gusto?
SL: La base de todos mis dibujos son los lápices pastel y el collage, dos de las técnicas con las que más a gusto me siento, aunque también utilizo acrílico y la tinta.

Últimamente he empezado a hacer instalaciones en las cuales utilizo objetos cotidianos y personajes de maquetas de trenes, cuyo conjunto me ayuda a conseguir escenas bastante irónicas, que es lo que busco.

K: ¿Qué es lo más importante para ti cuando llevas a cabo una obra o proyecto?

SL: Disfrutarlo, que es cómo mejor terminan las cosas.

K: Has participado en distintas exposiciones en Madrid. ¿Qué tal la experiencia?
SL: Muy bien, este último año he expuesto varias veces en la Galería 6mas1, galería que ha confiado en mí acogiéndome como artista de su espacio, estoy muy a gusto con ellos. Cuando trabajas con una galería te sientes más respaldada, te ayudan a desarrollar proyectos artísticos y sobre todo te ayudan a conocer el mundo del arte contemporáneo, que ya es bastaste complicado de por sí…

K: Pronto volverás a participar en una exposición. ¿Podrías hacernos un pequeño adelanto?
SL: ¡Pues sí! Entre este 16 y 19 de febrero estaré con la Galería 6mas1 en la feria de arte ArtMadrid, compartiendo stand con otros artistas de la galería cómo Chefer, Julio Falagán, Fernando Bayona, Mar Cuervo y Raúl Lázaro.

K: Para despedirnos, ¿qué te parece un baile?

SL: ¡Genial! ¿conoces El Guincho?

K: Muchas gracias Sara, desde dadanoias estaremos atentos a tus proyectos ^-^!

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Entrar en el mundo ilustrado de Mari Kanstad Johnsen es como recordar un sueño en el que nuestra edad cambia por momentos y todos nuestros referentes culturales se mezclan con las emociones y el sentimiento humano que las acompaña. Entre el carboncillo y las manchas de color, como si todo pasara a la vez, como si la fantasía fuese real y nuestros recuerdos formasen parte del futuro. Consiguiendo hacer de sus dibujos toda una experiencia artística de la que dejarse llevar, como cuando hablamos hacia adentro. ^–*_from Oslo!

Aquí algunas ilustraciones de Mari Kanstad Johnsen:

Mp3 del post;

Eddie Vedder – Guaranteed.mp3

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• el mundo
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Cogiendo como referencia cuentos tan maravillosos como ‘Fitcher’s bird’ de Los Hermanos Grimm, ‘Barba Azul’ de Charles Perrault o ‘La niña que pisoteó el pan’ de Hans Christian Andersen, Egene Koo logra plasmar en su obra ese sentimiento de ‘infancia sin fin’ tan identificativo de nuestros días. Trasladando en imágenes esa magia y dicotomías de la cultura contemporánea a través de los mitos universales de la literatura infantil. ^–*_from Korea!

Aquí algunas obras de Egene Koo:

Mp3 del post;

Pauline croze – T’es beau.mp3

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Os presento a Estela Cuadro, diseñadora gráfica e ilustradora argentina nacida en 1979, cuyas obras logran plasmar una espiritualidad y curiosidad por el Universo de la que hoy tenemos la suerte de conocer un poco más gracias a la entrevista que tan amablemente ha concedido a dadanoias. Dejando volar sus palabras e imaginación como lo hace sobre el lienzo al experimentar con la tinta china, y múltiples técnicas, logrando ese movimiento y fluidez tan característico de su estilo, y lo que nos rodea. Os aseguro que conocerla es una sensación parecida a la de volar…^–*_aquí la entrevista!

Entrevista a Estela Cuadro:

KAHLO: Estela, cuéntanos un poco sobre ti…

ESTELA CUADRO: Nací el 22 de mayo de 1979 en Buenos Aires, me formé como diseñadora gráfica e ilustradora en la Universidad de Buenos Aires. Viví toda mi infancia en San Antonio de Padua, una localidad totalmente alejada de la Capital Federal, donde empecé mi primer taller de dibujo y pintura.

Este primer incentivo continuó en distintos talleres durante algunos años, recreando mi imaginación, hasta que finalmente comencé la carrera de Diseño Gráfico en la UBA. Fue en esta carrera donde me encontré con el taller de ilustración de Silvia Mato, donde todavía sigo presente.

K: ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración más importantes?

EC: La música, es una de las fuentes inspiradoras a la hora de hacer mis obras, me gusta dejarme llevar por su armonía, melodía y ritmo. Varias veces producen el sentido estético o expresivo de la misma. Los sonidos de la naturaleza, como la lluvia, el agua o el viento entre otros, me sumergen en atmósferas distintas.

Un buen libro de cuentos me transmite nuevos horizontes. Me gustan mucho los de ciencia ficción, actualmente uno de mis libros favoritos es ‘Crónicas Marcianas’ de Ray Bradbury. Un mundo de cosas nuevas, personajes, contextos y elementos situados en el planeta Marte; cuentos muy inspiradores.

Otra de mis grandes aficiones es la astrología, la relación entre el cielo y la tierra y la interpretación del ser humano incorporada en ella. La conexión de nosotros en relación al Universo, me hace vivir con más consciencia, libertad y alegría.  Cada día me interesa más saber sobre nuestras energías y las relaciones cósmicas, así como el estudio de los Chacras, de donde aprendí los centros energéticos del ser humano.

La interpretación de mis obras me gusta dejarla al azar, sin ser literal y buscando despertar los sentidos de otras personas. El poder llegar a ellas me llena de satisfacción.

K: ¿Qué es lo más importante de tus días?

EC: Disfrutarlos. Aunque existan cosas rutinarias, trato que eso no afecte a mis días. Muchas veces desearía que todo fuese menos estructurado, que hubiesen menos cosas relacionadas con el deber y más con lo placentero o lo que cada uno ama hacer. Me gusta llegar a casa, ver a la persona que más amo en mi vida, una copa de vino, una rica comida y estar rodeada de personas que realmente valen la pena.

K: ¿Y de tus noches? ¿Sueles recordar los sueños?
EC: Siempre quise recordar mis sueños pero, sinceramente, mi inconsciente no me deja demasiado. Son pocos los que tengo presentes y en la mayoría de ellos son sólo fragmentos.

Varias veces sueño que quiero abrir los ojos y no puedo, hago fuerza para abrirlos y no hay manera. Y cuando sigo intentando no verlo todo negro, y poder ver, me doy cuenta de que estoy muerta. Es una sensación muy extraña, siento mucha curiosidad por su significado. Cuando despierto me invade una sensación realmente rara, compartida con el gran alivio de poder ver y comenzar un nuevo día.

K: ¿Cuáles son tus artistas favoritos?

EC: Amy Cutler, Pablo Picasso, Gustav Klimt, Paul Klee, Egon Shiele, Remedios Varo.

K: ¿Qué tipo de técnicas te gusta más utilizar para la realización de tus obras?

EC: Actualmente estoy experimentando con las acuarelas, las tintas chinas, y mixeando con otras técnicas. Pero la base de mis obras es la tinta china, su fluidez me permite darle más movimiento y expresividad a mis obras.

En años anteriores usé mucho los acrílicos y ahora quería ver lo que pasaba al usar otra técnica más aguada. Además, me fascina mezclar distintos productos naturales, frutos, sales, arena y químicos como el detergente. Creo que lo que más me atrae de toda esta experimentación es ver como todo se muestra con más fluidez. El movimiento que genera esta técnica, cómo se expanden las manchas y marcan rasgos definidos de personajes, animales, y hasta paisajes. A partir de ellos sigo trabajando con lápices, biromes y acrílicos, entre otras cosas.

K: ¿Qué tal te llevas con el ordenador?

EC: Estoy un poco cansada de la computadora, no es que no me guste pero mi trabajo diario ya me obliga a estar nueve horas diarias frente a una pantalla. Desearía tener más tiempo para disfrutar del día dibujando, y no de noche como lo hago actualmente.

K: ¿Qué te da más miedo?

EC: La muerte, el seguir perdiendo seres queridos, la violencia…

K: ¿Te consideras impulsiva?

EC: Soy 100% impulsiva. El instinto es un punto clave en gran parte de mi obra. A veces desearía ser más racional, aunque no significa que no lo sea, pero siempre surge en mí esa parte más espontánea, que es mi forma de ser. El hecho es que disfruto más siendo pasional, enérgica y efusiva, que estando cuestionándome todo lo que hago.

K: Un proyecto del que te sientas especialmente orgullosa…

EC: Anualmente hacemos un anuario de ilustradores argentinos. Es un proyecto del cual me enorgullece formar parte. Es estupendo ver como cada artista ha proyectado su obra desde diferentes perspectivas durante el año.

También estamos por lanzar, junto con una amiga y compañera de trabajo, un proyecto nuevo, sobre productos de decoración y diseño. Pero esto es muy nuevo, y muy reciente. Lo esencial son las ganas que tenemos frente a este nuevo emprendimiento. Ganas de crear, de pensar, de estudiar materialidades y ver como llevamos a cabo ilustraciones y cosas que nos gusten. Las dos somos diseñadoras gráficas y empezar a trabajar desde los encastres y materialidades es un nuevo desafío, y eso aún nos entusiasma más.

K: Si pudieras volar irías hasta…

EC: Hasta donde pudiera volver a encontrar a mi abuela, un lugar imaginario e impreciso.

Y, un lugar real, sería la India. Me genera incertidumbre conocer a su gente, el nivel de sensibilidad que tienen, la percepción musical, la danza, lo cromático y la relación de ellos con el arte. Todo lo relacionado con sus creencias y especialmente la meditación. Me parece muy interesante como los indios han logrado conservar sus tradiciones previamente establecidas, mientras que absorben nuevas costumbres, tradiciones e ideas de los inmigrantes, extendiendo al mismo tiempo su influencia cultural a otras partes de Asia. Me gustaría conocer su arquitectura, de grandes variaciones, además del interés que me generan sus influencias budistas, musulmanas y europeas, así como su desarrollo cinematográfico y teatral.

K: Un Mito que te haya marcado…

EC: El Dios del Sueño, de la grecia antigua.

K: Un recuerdo importante para ti…

EC: El nacimiento de Agus, mi hermanita más chiquita.

K: Y una canción….

Eddie Vedder – No Ceiling (Into the Wild)

K: ¡Muchas gracias Estela! Un abrazo enorme desde Barcelona.

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• gifs antiguos

¡Hace ilusión cuando un mensajero llama a tu timbre para entregarte la Glamourum Box en mano! Deseándonos una buena entrada de año, con un romántico San Valentín a la vista, un frasquito de loción hidratante de Eucerin, una sombra de ojos en crema Hydracolour de Oriflamem, una muestra de maquillaje SkinMarch de Astor, un Lápiz de ojos D’Orleac y dos muestras de mascarilla reparadora para el pelo de Gliss. Seis productos de cosmética a descubrir de los cuales me gustaría destacar su originalidad y el especial cuidado pensado para nuestro cabello y rostro, y de los que comparto mi primera impresión a continuación. ^–*_seguir leyendo!
 

Aquí están las muestras de mi Glamourum Box de enero:

1- SCHWARZKOFF GLOSS Hair Repair con Triple Keratina Líquida. Mascarilla concebida para la reconstrucción de la estructura del cabello, aportando hasta un 95% menos de rotura. Actúa rápido, en un minuto, y está pensada para ser utilizada entre dos y tres veces por semana. Recomendada para cabello muy seco y dañado. PRIMERA IMPRESIÓN: ¡Me va bien! Conozco la marca y, aunque no es de mis favoritas para el cabello, me hace ilusión probar sus nuevos productos. Además, una buena dosis de hidratación siempre viene bien en estos días de invierno y así podré probar qué tal es esto de la Keratina. La muestra viene en un sobre de 10 ml (un poco pequeño), el producto original de 200 ml y está valorado en 7,49 Euro, no me parece excesivamente caro si me gusta.

2- SCHWARZKOFF GLOSS Mascarilla Mini con Keratina Líquida. Mascarilla que, como el anterior producto (pues son prácticamente iguales), reestructura la fibra capilar del cabello seco o dañado gracias a la Kertaina Líquida, que al ser absorbida por las zonas más dañadas de la fibra capilar, las repara de forma precisa. PRIMERA IMPRESIÓN: La muestra tiene el mismo tamaño que el producto original, un frasquito de 20 ml valorado en 1 Euro (está bien de precio), que da para una o dos aplicaciones (en mi caso una porque tengo melena larga).  Este tipo de mascarillas suele gustarme y va bastante bien cuando notas que se te encrespa mucho el cabello o quieres cuidar las puntas, por lo que lo probaré encantada y feliz.

3- D’ORLEAC Lápiz Kajal. Lápiz profesional de 18 cms de largo fabricado en madera de cedro lacada en negro mate, ideal para el delineado de los ojos. Du trazo es suave y preciso con un gran poder de coloración en una sola pasada. PRIMERA IMPRESIÓN: ¡Me ha tocado en color marrón oscuro, como el color de mis ojos! Y cómo no tengo ningún producto así en mi kit de maquillaje habitual pues me hace especial ilusión, lo he probado esta mañana para pintarme los ojos y la verdad es que me ha gustado el efecto, tanto por su suavidad como pregnancia. El lápiz que nos envían es el mismo que el producto original, valorado en 7 Euros, y la marca es profesional.

4- ORIFLAME Sombra de Ojos en Crema Hydracolour. Sombra de ojos cremosa, con agua como ingrediente esencial con un innovador pincel para una fácil y precisa aplicación. PRIMERA IMPRESIÓN: ¡Y a mi que este tipo de pinceles no me acaban de convencer cuando pasa el tiempo! Me ha tocado un color blanco nacarado precioso, eso sí, muy luminoso y brillante, perfecto para el día a día. El aroma que desprende es realmente agradable y femenino. La muestra es la misma que el producto original, de 10 ml., y está valorado en 11,90 E. Un precio asequible.

 
5- EUCERÍN Loción Ph5. Loción corporal hidratante para mejorar la elasticidad de la piel. Protege de las agresiones diarias y de la sequedad. Recomendada sobre todo para pieles sensibles. PRIMERA IMPRESIÓN: Conozco la marca por su presencia en las farmacias y tiendas de cosmética aunque nunca la he probado antes. Me he puesto un poquito de crema por el brazo y sí, parece muy hidratante, y se absorbe en seguida. Su olor me recuerda al de la Crema Ureadin, aunque pasados unos minutos ya casi ni se nota. Huele a limpio y punto, algo que está bien. El frasco que nos envían es de 75 ml., el productor original de 200 ml. está valorado en 8 Euros, me parece una buena relación calidad-precio.

 
En conclusión me ha gustado bastante la Glamourum Box de este mes, convirtiéndose en mi servicio de muestras de cosmética favorito hasta el momento.

Mp3 del post;

The Temper Trap – Fader.mp3

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Hoy entrevisto a Karen Barbé, diseñadora textil de Santiago de Chile, cuya trayectoria profesional después de trabajar como Product Manager Jr. de vestuario y accesorios en PUMA Chile, y como diseñadora de planta del departamento de marketing internacional en Viña Concha y Toro, culmina en la creación de su propia marca de productos textiles para el hogar conocida como Karen Barbé Textileria. Proponiéndonos un conjunto de entrañables accesorios realizados a mano y maravillosos patrones, cuya alma y razón de ser cobrán sentido en el mundo. ^—*_a continuación la entrevista!

Entrevista a Karen Barbé:

KAHLO ¿Cómo surgió tu amor por el diseño textil?
KAREN BARBÉ: Eso se lo debo a mi madre. Ella siempre ha estado cosiendo, bordando, tejiendo, pintando, arreglando cosas. La casa siempre estaba llena de telas, lanas e hilos con los que experimentar y aprender sobre color. Mis primeros recuerdos están junto a mi madre, haciendo alguna labor. De ahí a escoger la carrera de Diseño, aunque antes estudié un año de Arquitectura, hubo solo un paso.

K: Te formaste académicamente en Chile y también en España.
KB: Sí, estudié Diseño en la Universidad Católica de Chile y aprendí sobre Tecnología Textil en el CSMM en Madrid. Hasta el día de hoy me acuerdo constantemente de mi temporada en Madrid. Siempre tengo flashbacks.

K:¿Qué es lo que más te gustó de Madrid?
KB: Cuando conocí Madrid, hace unos diez años ya, me pareció que era la versión ideal y mejorada de Santiago, una ciudad que funcionaba. Algo en el ambiente me hizo sentir muy a gusto y cómoda en esta ciudad.

K: ¿Cómo han influenciado en tus diseños el folklore y la artesanía tradicional?
KB: Siempre los cito como mi principal fuente de inspiración. Creo que más que una influencia estética, esta ha sido una expresión filosófica. Me gusta la complicidad y el entendimiento que ocurre entre el artesano y el material que trabaja, cómo la creación y la producción de un objeto se encuentran en una misma línea, sin interrupciones de terceros.

K: ¿Te consideras una mujer hogareña? ¿Cómo es tu estudio?
KB: ¡Absolutamente! Mi casa y estudio son mi refugio y centro de recarga de energías. Siempre estoy cambiando los muebles de ubicación, trato de encontrar el lugar perfecto para ellos. Soy muy afortunada de trabajar en un estudio que tiene grandes ventanas y cuenta (casi) con el suficiente espacio para mis trastos. Tengo tres mesas (o estaciones de trabajo): una para el computador, otra para los telares y otra para el bordado o labores manuales.

K: ¿Sueles jugar con los objetos que hay a tu alrededor? ¿Cómo los eliges?
KB: Siempre ando mirando los objetos más diversos y viendo cómo se pueden mezclar o relacionar entre ellos. Por lo general me fijo en cosas de casa como frascos, floreros viejos, cachivaches varios, objetos de poco valor o que ya pasaron de moda. El otro día en el supermercado compré un frasco de mostaza solo porque me pareció que el envase haría de un buen florero.

K: Dentro del proceso de creación, ¿cómo vives la fase de diseño de los patrones?
KB: Primero paso por un proceso largo de visualización de ciertas ideas que tenga. Tiendo a “sentir” los diseños, por eso la parte difícil es visualizarlos y crearlos tal como los “sentía”. Dibujo, paso al computador, dibujo otra vez y de nuevo al computador. Luego realizo muestras y veo qué tan cercanos están a mi idea original. Cuando las cosas no resultan bien, lo mejor es una buena caminata para juntar nuevas ideas.

K: ¿Y la fase comercial?
KB: En esta parte me baso exclusivamente en mi tienda online. Una vez que un producto está listo, le tomo fotos para la tienda y otras para el blog. A través de la página en facebook y mi blog realizo los lanzamientos de mis nuevos productos.

K: ¿Qué es lo más importante para ti cuando haces realidad uno de tus diseños?
KB: Sobre todo me importa que quien adquiera uno de mis productos pueda “sentirlos”, percibir su alma. Trato de trabajar mucho sobre esa idea, de los objetos con razón de ser.

K: Me encantaron las ‘joyas de papel’ que compartiste con nosotros el pasado septiembre en tu blog. ¿Cómo se te ocurrieron?
KB: Qué bueno saber que te gustaron. La verdad es que no fueron planeadas. Simplemente empecé a jugar con papel kraft y algunos motivos de punto de cruz que había hecho hace algún tiempo. Muchas veces mis experimentaciones con materiales terminan donde menos lo espero.

K: ¿Te apetece un baile?
KB: Cada vez bailo menos pero con gusto me movería con “Train in vain” de The Clash.

K: Muchísimas gracias Karen, desde dadanoias siempre te seguiremos ^—^!!!

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Con veintiséis años, Mark Peckmezian apuesta por la fotografía analógica y los distintos tratamientos que esta le permite realizar, poniendo especial atención en el resultado final de cada una de las composiciones logradas, dependiendo de su carácter y el formato que encaje mejor en cada una de ellas. Capturando así la magia y personalidad que la cámara, y todo el proceso que la acompaña, le permite transmitir. ¡Qué es muchísima! ^—*_from Canadá.

Aquí algunas fotografías de Mark Peckmezian:

Mp3 del post;

Postal Service – Such Great Heights.mp3

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‘Voyage Voyage’, hoy viajamos hasta Ginebra para entrevistar a Mirjana Farkas, ilustradora suiza formada en Barcelona, cuyas serigrafías, collages e ilustraciones desprenden un brillante sentido de la composición y la forma además de trasmitir una aguda visión del mundo. Entre animales con rasgos humanos y referencias de lo más pintorescas, estoy segura de que os va a maravillar tanto como a mí...^–*_¡a continuación la entrevista!

Entrevista a Mirjana Farkas:

KAHLO: Entre Ginebra y Barcelona, ¿cómo ha sido tu formación académica?
MIRJANA FARKAS: Estudié Historia en Ginebra. Al acabar la carrera me trasladé a Barcelona para realizar mis estudios de ilustración en la Massana (2004-2007) y me quedé viviendo en la ciudad hasta el 2010. Todo lo que sé en cuanto a ‘ilustración’  lo aprendí allí, gracias a mis mis profesores, como Arnal Ballester y Pep Montserrat, mis compañeros de clase y otros amigos también ilustradores. Ahora, de nuevo en Ginebra, sigo aprendiendo mucho entre los encargos y mis proyectos personales, además de mis frecuentes visitas a Barcelona.

K: Acabas de participar en la exposición colectiva ‘Portraits de Famille’ en el Musée Forel de Morges, con un conjunto de serigrafías inspiradas en distintas familias del mundo. ¿Qué tal ha ido?

MJ: Sí, me ha encantado realizar cuatro imágenes para esta exposición, en la que Albertine invitó a 13 ilustradoras a proponer su vision del retrato familiar. Han salido trabajos muy diferentes, tanto de forma como de fondo.

K: ¿El hecho de que se tratasen de serigrafías influenció en su concepción?

MJ: La serigrafía es un medio que me encanta, como sus colores vibrantes. Cada vez  disfruto más preparando las imágenes para este tipo de impresión. Este último año he trabajado bastante con esta técnica, a dos y tres tintas, tanto para mi libro ‘la Java martienne’ como para mis páginas publicadas en Drozophile n°8.

Se trata de sintetizar el dibujo, de trabajar con el blanco del papel, con la mezcla de las tintas, intentando obtener una paleta más amplia que tus dos o tres tintas base. Imprimen mis imágenes en el taller de serigrafia Humbert Droz de Ginebra.

K:  También utilizas la técnica del collage en trabajos como “L’infidélité, valeur à la hausse” publicado en Le Temps u otras composiciones de prensa súper divertidas. ¿Cómo definirías tu vínculo con el collage?
MJ: El collage ha sido mi puerta para empezar a fabricar imagenes. Es un juego intelectual y gráfico que te permite saltar de una idea a otra a médida que montas tu puzzle de imagenes.  Suelo utilizar muchísimo esta técnica, incluso para pensar una imágen que luego dibujaré.

K: ¿De dónde sueles sacar las fotos que utilizas?
MJ: Las fotos antiguas salen de mi pila de revistas del año de la polka, unos Paris Match, catálogos de la Redoute, fotonovelas, etc., encontrados en la calle o en los Encantes. También siento un gran amor por los grabados que aparecen en los diccionarios y las enciclopedias antiguas.

K: Entre tus libros y proyectos, los animales adquieren un papel protagonista. ¿Cómo definirías esta pasión por ‘la fauna’?
MJ: Mis animales siempre tienen personalidad humana y a veces son autoretratos. Igual es más fácil representar sentimientos o emociones así.

Además, muchos animales son realmente gráficos y siempre han inspirado a muchos dibujantes. Como los dos libros nuevos en mi biblioteca de este año; uno sobre el « lubok », de grabado popular ruso, y otro sobre el «Bestiario de la Edad Media» de Michel Pastoureau, lleno de animales reales o míticos, estupendos.

K: Dentro de la Historia del Arte, ¿cuál es tu movimiento artístico favorito?
MJ: Un movimiento no sé,  las imágenes me vienen en mente son ‘El jardín de las delicias’ de Bosco, los grabados de Posada, los de Félix Vallotton, los collages de Jacques Prévert, los cuadros de Gauguin, de Matisse…
K: ¿Y cuáles son los ilustradores contemporáneos que más admiras y te sorprenden?
MJ: De mi entorno, por ejemplo, Arnal Ballester, Luci Gutierrez, Brecht Evens, Gina Thorstensen, etc. En las librerias: Glen Baxter, Anna Sommer, Atak, Blexbolex,  y muchos de los autores que publican en la editorial Nobrow.
En general, admiro a las personas que combinan una gráfica poderosa con un discurso dulce, amargo, cínico, inteligente, sabroso, con sentido del humor.

*grabado de  Vallotton.

K: ¿Qué es lo más importante para ti, como ilustradora y diseñadora gráfica, a la hora de realizar un póster o flyer?
MJ: El momento en el cual tu proyecto (ideas, palabras, colores, esbozos, dudas, silencios, etc.) se transforma en una imagen, aunque a veces no sea la que tenías prevista…

K: ¿Cuál es la parte del proceso con la que más disfrutas?
MJ: Disfruto bastante del proceso de búsqueda de material útil para el proyecto en cuestión (documentación, referencias, typos, paletta de colores, etc).

K: ¿Sueles escuchar música cuando creas?
MJ: Sí, escucho música y monto listas para mis amigos. Os dejo con una experiencia increíble como es escuchar música suiza…

K: ¡Qué experiencia tan bonita Mirjana! Muchísimas gracias ^—^!!

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Seguramente esto sea considerado sacrilegio, pero aquí tenéis la animación que Sebastian Cosor ha realizado a partir del famoso cuandro de ‘El Grito’ de Edvard Munch, de quien podemos leer las siguientes palabras escritas en 1893 durante la concepción del cuadro en su diario: ‘“I was walking along a path with two friends – the sun was setting – suddenly the sky turned blood red – I paused, feeling exhausted, and leaned on the fence – there was blood and tongues of fire above the blue-black fjord and the city – my friends walked on, and I stood there trembling with anxiety – and I sensed an infinite scream passing through nature.”. Personalmente me ha gustado la conversación que escuchamos de fondo, y el principio de la animación, aunque creo que al final se le va un poco de las manos… ^—*_con música de Pink Floyd!

Aquí algunos frames de la animación:

Mp3 del post;

Pink Floyd – Brain Damage.mp3

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“‘Nader’ en Palestina se utiliza para referirse a algo que es poco común o que escasea” – le explicó el padre de Nader Sharaf a su hijo en mención a su nombre. Un nombre tan especial como la obra que hoy representa el Mundo de Nader, artista visual madrileño cuya sutileza e imaginación trasciende a cualquier formato u hora que pueda marcar el reloj. Trasladándonos al presente de nuestra percepción e invitándonos a entrar en sus ilustraciones de la manera inversa en las que fueron concebidas…^–*_aquí la entrevista!

Entrevista a Nader Sharaf:

KAHLO: ¡Nader Sharaf, qué nombre tan especial!
NADER SHARAF: A pesar de lo que mucha gente cree, Nader Sharaf es mi verdadero nombre. Mi padre es palestino refugiado en Amman y llegó a España después de cruzar en barco todo el Mediterráneo para cumplir su sueño profesional. Aquí conoció a mi madre y, después de otros hijos, nací yo.
Mi padre me dijo hace tiempo que la palabra “nader” se utiliza en su país para referirse a algo que es poco común o que escasea. El mismo nombre propio tampoco es muy habitual por esas latitudes.

K: ¿Cuándo supiste que ibas a dedicarte al arte visual? 

NS: Tener claro que iba a poder vivir de ello no lo he tenido hasta hace un par de años, cuando abandoné mi último trabajo para dedicarme enteramente a esto; y ni siquiera entonces sabía que iba a salir bien. No obstante, siempre he tenido claro que dibujar es lo que más me hace perder la noción del tiempo, algo que para mí es síntoma inequívoco de pasión y vocación. Durante años he dado muchas vueltas evitando enfrentarme al hecho de que ésto es lo que más feliz me hace, simplemente por el miedo que inflige pensar en consagrar la mayor parte del tiempo de tu vida a una misma actividad.

K: ¿Te gusta el café?

NS: Me encanta el café, pero el buen café, el que compro en grano y cuyo aroma inspiro recién molido. Para mí el café es toda una experiencia, un ritual para el que no me vale cualquiera. Es de las poquísimas cosas en las que me muestro muy tiquismiquis. ¡Y a pesar de ello, casi no lo tomo porque me acelera muchísimo!

K: ¿Cómo es tu estudio?

NS: Mi estudio se va construyendo poco a poco desde hace meses. Suelo tener a mano pilas y pilas de cuadernos y libretas, casi siempre a medio empezar, que han llegado hasta mí de formas muy diversas y cuya presencia me da una seguridad extraña y reconfortante. Me gusta rodearme de cosas hechas por otros artistas a los que admiro y tener a la vista todos mis materiales de trabajo aunque no vaya a utilizarlos. Además de buena música de fondo y una enorme taza de té verde.

K: La magia y el ilusionismo son elementos intrínsecos en tu obra. ¿Qué es lo que más te fascina de la vida?

NS: Que en el fondo no sabemos nada de ella y que, parafraseando a Kundera, no hay ensayos para vivirla porque el primero de ellos es ya la vida misma. Puede parecer desconcertante, pero es la clave para relajarse y ser más paciente e indulgente con uno mismo. Me fascina que no tengamos ni una mínima parte de las respuestas sobre porqué estamos aquí y a qué hemos venido, así como el hecho de que nadie esté en posesión de la verdad.

Me levanta mucho el ánimo ser consciente de la enorme complejidad de cada pequeña cosa que nos rodea. No es misticismo, es que todo es digno de ser observado hasta la extenuación y analizado hasta el infinito. Cuando se alcanza esa percepción de las cosas no hay hecho por mínimo que sea que no te fascine.

K: Además de Milan Kundera, ¿hay algún autor literario que te haya marcado especialmente?

NS: Hay unos pocos, pero entre ellos yo diría que sin duda Italo Calvino es el que más. Para mí era un genio absoluto y siempre que he leído alguno de sus libros he tenido que soltarlo y agitar la cabeza, como con incredulidad ante la magnitud de la inmensa obra que estaba leyendo. Era un magistral creador de imágenes, muchas de las cuales almaceno en mi cabeza.

K: ¿Y del mundo del arte?

NS: En general, lo que más me gusta son los artistas muy apasionados, esos a los que su estro les arrastra sin remedio a crear, sean de la disciplina artística que sean. Bacon o Barceló, por ejemplo, son algunos de los artistas que admiro por su pasión desmedida y salvaje hacia su trabajo.

K: ¿Llevas reloj?

NS: Nunca llevo reloj de muñeca, me molesta, y además en la sociedad en que vivimos es muy difícil encontrar un rincón donde no haya un reloj. El tiempo está muy presente vayas donde vayas, hay relojes por doquier marcándonos el ritmo, recordándonos que ya se nos está haciendo tarde para otra cosa. Para los relojes siempre es tarde.

K: ¿Qué simboliza el tiempo en tu obra?

NS: En mis dibujos, el tiempo es más una cuestión física. Lo que represento son instantáneas que dan paso a otra cosa donde yo ya no intervengo. Ese momento, a pesar de estar congelado, es siempre el presente, y cuesta referirse a él como “tiempo” porque no proviene de ningún pasado manifiesto ni va hacia ningún futuro explícito salvo, quizá, en la mente de quien los mira.

K: ¿Qué es lo que más ilusión te hace cuando acabas un dibujo?

NS: Que haya conseguido trasladarlo de mi cabeza al papel de la forma más fiel que haya podido. Y, si es posible, que el espectador haga ese mismo recorrido pero a la inversa.

K: ¿Qué representa el formato para ti?

NS: Antes mucho. Era para mí prácticamente determinante. Ahora menos. El formato no es más que un envoltorio, una forma de presentación que no desvirtúa en absoluto el valor de una obra, siempre y cuando se respeten las características del original. La gente le da mucha importancia al contacto con la obra original, y lo es, pero hay muchas maneras de disfrutar de una obra y es la sensibilidad de cada uno la que decide. Hay cuadros o dibujos que nunca he visto in situ, pero la emoción que me provocan es muy intensa.

K: ¿Bailamos?

NS: ¡Acepto encantado! Propongo bailar un vals acelerado con La Foule de Edith Piaf.

K: Muchas gracias Nader, me ha encantado bailar contigo ^—^!!!

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¿Os imagináis que existiesen objetos de cerámica y realidad aumentada? Pues esto es lo que el diseñador Andrew Tanner acaba de proponer al mundo en la ‘Feria del Hogar’ celebrada recientemente en Londres. Presentando este precioso plato de cerámica cuyo pájaro ilustrado, captado desde nuestros dispositivos móviles, vemos en movimiento. Un precioso proyecto llevado a cabo en colaboración a Jason Jameson & James Hall, del galardonado estudio de animación Unanico Group y la empresa de cerámicas Royal Winton, abriendo las puertas a un nuevo modo de concebir los objetos de nuestro entorno más cercano. ^—*_i superluv 3d ideas!

Aquí un vídeo e imágenes del diseño de Andrew Tanner:

Mp3 del post;

Clare & The Reasons – this is the story.mp3

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Hoy hablamos con Susana del Baño Ranner, ilustradora y diseñadora de estampados instalada en Barcelona, a quien descubrí por su tiendecita de acento handmade ‘Pink Sardine‘, y cuyos trabajos en editoriales de libros infantiles y papeles pintados inundan de familiaridad y color un mundo repleto de posibilidades. Elegante y divertida, estoy segura de que os va a encantar al instante, a vosotros y a vuestros hijos o sobrinitos. ^—*_a continuación la entrevista!

Entrevista a Susana del Baño Ranner:

KAHLO: ¡Buenas tardes Susana! ¿Cómo surgió la idea de crear Pink Sardine, tu propia marca?
SUSANA DEL BAÑO RANNER: A parte del diseño y la ilustración, siempre me ha divertido crear objetos, por curiosidad o para hacer algún regalo especial, hecho a mano. La marca surgió como una posibilidad de dar a conocer esos objetos y poder comercializarlos.

K: Los objetos que vendes en ‘Pink Sardine’ están destinados a ‘niños modernos y padres felices’. ¿Cómo es su proceso de creación?
S: Yo diseño cada uno de los objetos y después confecciono un prototipo que modifico hasta que estoy satisfecha con el resultado, es decir, queda bonito y cumple bien su función. Para poder servir los pedidos que recibo trabajo con la ayuda de una confeccionista.

 
K: ¿Qué tal es esto de vender online? ¿Podemos encontrar tus creaciones en alguna tienda física?
S: La venta online está empezando a funcionar en nuestro país de manera muy lenta, estamos acostumbrados a comprar productos de marcas conocidas, pero ya nos vamos atreviendo con otros productos. Es muy tentador, nos llega mucha información a través de la red, además es fácil y rápido.
Por ahora, tengo más ventas en las tiendas físicas que a través de la tienda online. Ahora mismo se pueden encontrar los productos de Pink Sardine en tiendas de Barcelona como I Love Kutchi, Ma a Mà o Keboniko, además estoy empezando a vender en el resto de España.

K: A parte de a tus propios productos, te dedicas a la ilustración infantil colaborando con distintas editoriales del sector, como Anaya o Imaginarium. Llamándome especialmente la atención ‘El triomf d’en Polit Bonaveu’, Premio ‘El Vaixell de Vapor’ 2009, que me recordó un poquito a la estética del Pequeño Nicolás. En este ámbito, ¿cuáles son tus referentes más importantes?
S: ¡Gracias! es un elogio, el trabajo de Sempé, como el Pequeño Nicolás es una maravilla, es tan expresivo y fresco. A parte de grandes ilustradores como Sasek, Olle Eksell, admiro mucho el trabajo de contemporaneos como Javier Zabala, Beatrice Alemagna o el dibujante de comic Brecht Evens, lo descubrí hace poco y me quedé alucinada.

K: ¿Qué es lo más importante para ti cuando ilustras un libro infantil?
S: Lo más importante es el texto, la historia. Cuando conecto con la historia y entiendo a los personajes, el trabajo es mucho más divertido y las cosas fluyen.

K:¿Sueles trabajar siempre a lápiz y papel?
S: Suelo trabajar sobre papel en la primera fase. Utilizo gouache, lápiz, collage, me gusta estar en contacto con estos materiales, en mi caso es parte fundamental de mi proceso creativo. Después, termino siempre el trabajo con el ordenador, ¡que es una herramienta fantástica!

K: El diseño de ‘patterns’ es otro de los campos que dominas y trabajas a nivel profesional. ¿Cómo lo vives?
S: El diseño de patterns es algo que disfruto mucho, hace ya años que empecé haciendo diseños para textil hogar para niños. Actualmente trabajo también creando diseños para papel pintado y textil hogar. En los diseños para niños me gusta crear personajes que podrían ser extraidos de un cuento, a los niños les encanta.  También disfruto de los diseños abstractos, de los motivos orgánicos, a veces el color es lo más importante de un estampado, disfruto mucho trabajando el color.

K: En el futuro, ¿Te gustaría hacer alguna animación?
S: ¡Sí! Me atrae mucho el Stop Motion, es algo pendiente, espero encontrar el momento. Me gusta mucho el trabajo de PES, un artista que hace maravillas con esta técnica.

K: ¿Cuál es tu película, cortometraje o videoclip de animación, favorito?
S: Una de mis películas favoritas en animación es La novia cadáver de Tim Burton, es genial, los personajes, la música…

K: ¿Que canción consideras que encajaría en tu mundo?
S: Rising de Lhasa de Sela

K: ¡Me encanta Lhasa de Sela!

S: Lhasa es buenisima, es verdad. ¡La vi en concierto hace unos años en el Apolo, fue precioso!

K: Muchas gracias Susana, te seguiremos siempre ^—^!

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Siempre me han gustado los lazos porque son bonitos, sin ninguna intención práctica más allá de la estética. Cintas ligadas de tal manera que ya de por sí son hermosas. Como los lazos, inspirados en formas animales, que ha creado el artista japonés Baku Maeda en su serie Ribbonesia. Consiguiendo unas formas tan originales y bellas que a uno le entran ganas de llevarlos en forma de broche, colocárselos en el sombrero o regalarlos como lo que son. ^–*_el origami de las cintas!

Aquí algunos lazos de Baku Maeda:

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Tori Amos – Secret Spell.mp3

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Este próximo jueves 12 de enero, en la Galería Hartmann de Barcelona, Héctor Francesch inaugura su exposición individual ‘Pop todas partes…’. Compartiendo con todos nosotros un conjunto de obras a su ‘capricho e invención’,  de las cuales hoy tenemos la suerte de saber un poco más sobre su origen y significado gracias a la entrevista que su autor ha concedido tan amablemente a dadanoias. Un espacio de acento pop y gran formato a través del cual dejarnos llevar por los recuerdos de nuestra infancia y los mitos de una generación, la nuestra. ^—*_aquí la entrevista!

Entrevista a Héctor Francesch:

KAHLO: ¡Buenas tardes Héctor! ¿Cómo llevas la preparación de tu exposición individual en la Galería Hartmann que inauguras este jueves?
HÉCTOR FRANCESCH: Aquí estamos, con los últimos retoques, más de presentación que de otra cosa, pues la obra la terminé durante los últimos días de 2011. Ha sido una temporada intensa de trabajo y como casi siempre en estos casos, hasta que se acercan las fechas , me lo tomo con calma y luego tengo que hacer un “sprint”. Me lío mucho pensando en qué imágenes quiero “fabricar”. Esta exposición es la continuación natural a mi anterior serie ‘A veces veo esto…’.

¿Un pequeño adelanto de lo que podremos ver en la exposición?

HF: En cuanto a las imágenes que se podrán ver en  ‘Pop todas partes!’, se basan como diría Goya en el “capricho y la invención”, me gusta divertirme trabajando, crear situaciones inesperadas, irónicas, que cuenten cosas… Cosas que han formado, forman o formarán parte de mi existencia visual como individuo. Recurro a aquello que me gusta, como decía antes, necesito divertirme y disfrutar, si no me dedicaría a otra cosa.

K: Tengo entendido que eres autodidacta, aunque supongo que de algún modo todos los artistas acaban siéndolo. ¿Fue una decisión propia, o por casualidad?
HF: Es cierto, soy autodidacta porque la vida me ha llevado a ello. Tenía intención de estudiar Bellas Artes pero en ese momento no me lo pude permitir y acabé estudiando Sociología y Publicidad, carreras que abandoné por mi dedicación exclusiva a la pintura. Yo siempre digo que soy de la Escuela del Error, aprendo equivocándome.

K: En tus obras vemos claras referencias de personajes de la Cultura Pop Contemporánea con yuxtaposiciones tan divertidas como ‘Skate Chaplin’ o Lola Flores y Wonder Woman en ‘Cómo me las maravillaría yo’. ¿Al pintar estos híbridos tan ‘pop’, tienes alguna intención crítica?
HF: Precisamente en esas piezas no hay mucha crítica pero sí, como decía antes, de pasarme un buen rato trabajando. Uso esos personajes porque los admiro. Puede haber otras piezas donde también recurro a personajes famosos y sí tienen cierto punto crítico o irónico, como la pieza S.S.M.M. un retrato de los Reyes de España, pero que he decapitado y en su lugar he sustituido por las cabezas de los que para mi son más reyes, Basquiat y Warhol.

K: Los Clicks de Playmobils representan uno de los personajes clave de tu obra. ¿Cuándo fue la primera vez que pintaste uno de ellos? ¿Qué significan para ti?
HF: Los Clicks siempre fueron mi juguete preferido, un buen día en plena crisis de no saber qué pintar o cómo pintar, pensé que mi trabajo tenía que ser personal, que tenía que pintar como Héctor Francesch y no parecerme a nadie, así que miré para mi mismo y pensé en las cosas que más me habían gustado a lo largo de mi vida, los clicks fueron mi primer pensamiento y mi salvación, después ha venido todo lo demás… ¡¡Y espero que falte mucho por venir!!

K: ¿Qué te da miedo como artista visual?
HF: El miedo de esta profesión es como la de cualquier otra, la incertidumbre, nunca se sabe lo que va a pasar. El único método que conozco para capear temporales es llegar por la mañana temprano al estudio y trabajar duro. Por otra parte, para mí, lo peor de esta profesión en concreto es la soledad, demasiadas horas solo en el estudio dándole al coco.

K: ¿Has soñado alguna vez en dibujos animados?
HF: Pues la verdad, que yo recuerde con dibujos animados, no. En lo que sí he soñado es en mi obra, cuando afronto una pieza de grandes dimensiones y paso mucho tiempo trabajando en ella.

K: ¿Qué es lo que más ilusión te hace de tu día a día?
HF: Lo mejor que tengo a día de hoy es mi familia, que tiene una paciencia y un aguante conmigo de Guerrero Samurai. Sin ella, no sé por dónde andaría…

K: Para despedirnos, hasta el día de la inauguración, ¿qué canción ponemos?
HF: ¡Buf! ¡Música, qué complicado! ¡Me gustan demasiadas cosas! Pero bueno,  ya que estamos en Barcelona elijo el tema “Con un traje de Elvis” de Miqui Puig.

K: Muchas gracias Héctor, nos vemos el jueves ^–*!!

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‘¡Cuando un diseñador gráfico trabaja para Google es que es muy bueno, y se nota!’. Es lo primero que pensé al descubrir al artista y diseñador gráfico franco-estadounidense Christopher Bettig. Cuyo interés por viajar, la arquitectura y la música no sólo queda latente en su obra sino en los vídeos que cada mes cuelga en su canal de vimeo, casi en forma de diario, compartiendo con el mundo todo aquello que le inspira. Simple, amante de la geometría y de los colores brillantes. ^–*_superluvit!

Aquí algunas obras de Christopher Bettig:

Mp3 del post;

Lonely Drifter Karen – Climb.mp3

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Nos vamos hasta la frontera del norte de Mexico para entrevistar a Luis Safa, artista visual e ilustrador responsable del maravilloso Mundo de Caracrimen. Un espacio repleto de vitalidad y fuerza visual en el que disfrutar desde sus ilustraciones editoriales, que han sido publicadas en medios españoles como ‘El País’, hasta el apasionado videoclip que acaba de ilustrar y dirigir de la canción ‘Una Piez Más‘, cantada por Marian Ruzzi y el Sr. Amable. ^–*_me mata!

Entrevista a Luis Safa:

KAHLO: ¡Buenas tardes desde Barcelona Luis! Este octubre presentase tu hermosa página web y portfolio CARACRIMEN, en la que podemos ver tus obras de ilustración, animación, y diseño gráfico, todas con un sello personal de lo más singular y llamativo. ¿Qué representa el folklore mexicano para ti? ¿Cómo lo vives?

LUÍS SAFA: Es raro, porque el ‘folklore mexicano’ es algo que está mucho más presente en el sur de Mexico, como Chiapas, Veracruz o Campeche, que en mi zona. Yo soy del norte,  de la frontera norte de México, a más de treinta horas de distancia en camión, aunque supongo que igualmente siempre he sentido una gran afinidad hacia lo que representa el folklore. Cuando era pequeño, mi madre y mi padre siempre traían artesanías de allí para decorar la casa y supongo que eso fue lo que me marcó. Todavía recuerdo, muy vivamente, una alcancía que teníamos.

K: Dentro de la cultura mexicana, ¿tienes algún autor fetiche?

LS: Me gusta lo que hace Dr. Lakra.

K: Has publicado algunas de tus ilustraciones en medios españoles como ‘El País’. ¿Hay algo que te llame especialmente la atención de España?

LS: España es un país que quiero visitar próximamente, me gusta lo que se hace allá en muchos sentidos. Conozco una revista llamada ‘fine rats’, me gusta lo que hace ‘aloha estudios’ y ‘rotor’ en cuestión gráfica, Belio Magazine y Ed Cariosa, estupendo ilustrador.
En el ámbito musical me gusta mucho ‘triángulo de amor bizarro’, ‘el columpio asesino’, ‘astrud’, ‘los punsetes‘, traen bastante onda los españoles…

K: También has trabajado en varias revistas de tendencias. ¿Qué tal te sientes en este ámbito?

LS: He colaborado en muchas revistas,  pero curiosamente creo que es algo de lo que me voy alejando, pues me llama mucho más la atención el video y lo que se puede hacer en el campo de animación.
El mundo de las revistas me gusta,  aunque es pesado aguantar el ritmo de cada publicación, porque todo lo quieren para ya. Antes me lo tomaba muy en serio, ahora colaboro en menos y más bien me lo tomo como ejercicios gráficos, un espacio donde explayarme y divertirme. Funciono como colaborador externo y me gusta así.

K: ¿Qué papel juega lo artesano y lo virtual en tu trabajo? ¿Sueles usar el ordenador dentro del proceso de realización de tu obra?

LS: Sí, seguro, sin el ordenador me muero, y sin mis manos también, creo que va un 50-50. Me encanta dibujar a lápiz y también me encanta escanearlo y colorearlo con el photoshop, dependiendo de lo que necesite hacer, pero suelo mezclar los dos medios, es parte del juego.

K: ¿Conoces el movimiento pop-surrealista? ¿Crees que encajas en él?

LS: Sé que suena trilladísimo, pero no intento encasillarme en algo ni nada. Supongo que alunas cosas sí y otras no, no me importa mucho. Pero sí, el pop-surrealismo me gusta mucho, es muy gracioso, supongo.

K: Las animaciones que has ilustrado son mágicas, supongo que para llevarlas a cabo has trabajado con artistas y profesionales de esta disciplina, y con los músicos. ¿Cómo ha s vivido estas colaboraciones?

LS: ¡Gracias! Suelo mezclarme en proyectos donde no exista la desconfianza, no me gusta mucho eso de que vean mi portafolio y que tengan que aprobarlo, realizar los bocetos y que tengan que aprobarlos, hacer stills y que tengan que aprobarlos, etc.
Una de las últimas colaboraciones que he realizado ha sido el videoclip de ‘Una pieza más‘, junto a unos músicos buenísimos: el Sr.Amable y Marian Ruzzi, a los que ya conocía de hace tiempo, por lo que todo fue muy cordial y ameno. Me pasaron la canción, me gustó bastante y me dieron una ‘hoja en blanco’ para hacer lo que quisiera. La escuché unas mil veces, y narré una trágica historia de amor, cómo deben de ser.

La verdad es que fue todo un reto, porque dirigir es algo muy diferente a animar. Le enseñé todo lo que había hecho a los chicos de BASA estudios, y ellos lo animaron.  Es muy gratificante trabajar con gente a la que admiro, cuando todos los que formamos parte del proyecto confiamos en que el otro hará un buen trabajo es cuando las cosas salen mucho mejor.

K: ¿Qué es lo más importante para ti cuando tienes que llevar a cabo una nueva obra?

LS: Aterrizarla supongo, llegar a imaginarte por qué quieres tal trazo, tal estilo, tal temática… La experiencia me ha enseñado que si tienes todo eso en cuenta todo va mucho mejor. Si no tengo claro lo que quiero hacer, no hace falta ni que encienda la computadora.

K:- Ahora que se ha acabado el 2011, ¿qué te parece si nos despedimos de él con una canción que sientas muy tuya?

LS: ¡Seguro! La de super castlevania de Triángulo de amor bizarro. ¡Me matan esos chicos!

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‘Gambare’ es un término que se utiliza cuando alguien necesita hacer un esfuerzo, para expresar un gran ánimo. De aquí el título de ‘Gamabare Japan’, la exposición que se inaugurará esta semana en la galería de tatuaje ” La Cobra Negra” de Barcelona en la que podremos disfrutar de la obra de 30 reconocidos artistas del tatuaje, y cuyos beneficios irán destinados a las víctimas de Fukushima. Con una inauguración de lujo programada para este jueves 12 de Enero de 20.30 a 23.30h, amenizada por el ron ‘Sailor Jerry’ y la música de ‘Dj de la Muerte’, a la que no podemos faltar. ¡Una iniciativa cultural, por una buena causa! ^—*_Go Gambare!!!

Aquí la imagen gráfica de la exposición:

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Pram – Sirocco.mp3

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Los cuantiosos collages del artista italiano Pier Paolo Quaglia destacan por la multitud de elementos y mensajes que convergen en ellos. Geométricamente conectados a través de sus líneas y yuxtaposición de imágenes, entre lo íntimo y lo público, lo universal y lo particular. Un espacio absoluto dentro de sus propios límites. ^—*_from Milan!

Aquí algunos collages Pier Paolo Quaglia:

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Jeffrey Lewis – End result.mp3

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Como si de una puesta en escena del libro ‘La Interacción del color’ de Josef Albers se tratase, la joven artista americana Jen Stark centra toda su atención en ‘el color y la forma’ para la creación de sus magníficas esculturas de papel. Un conjunto de obras de acento calidoscópico, inspiradas en las microscópicas texturas de la naturaleza, cuya dimensión óptica consigue hipnotizarnos al instante. ^—*_¡no os perdáis sus animaciones!

Aquí algunas obras de Jen Stark:

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Peter Sarstedt – Where Do You Go To My Lovely.mp3

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Las ilustraciones y composiciones del artista japonés contemporáneo Kono Tatsunori desprenden una calma y creatividad de lo más agradable e inteligente. Jugando con las formas geométricas simples propias de nuestro entorno; plasmándolas sobre papel, utilizando el lápiz y los colores de madera, desde la curiosidad más sincera. Me encanta la sencillez con la que capta la belleza del Mundo…^–*_superluvit!

Aquí algunas obras de Kono Tatsunori:

Mp3 del post;

Sister Rosetta Tharpe – My Journey to the Sky.mp3

¡Qué mejor manera de empezar el año que con las entrañables ilustraciones y tarjetas de felicitación del ilustrador norteamericano Steve Mack! De estilo infantil y un sentido gráfico marcado por los dibujos de los 50’s y las texturas vintage, es agradable sentir la familiaridad y alegría que transmiten sus propuestas. ^—*_do The robot Dance!

Aquí algunas ilustraciones geniales de Steve Mack:

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Drifters – A little bit of soap.mp3

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Hoy viajamos hasta Mexico para entrevistar y conocer a Andrea Gonbelt, ilustradora, fotógrafa y coautora del fanzine musical ‘Mi abuela es Jazzista‘. Artista visual multidisciplinar cuyo inteligente sentido del humor, y atrevimiento gráfico, logra despertar en nosotros el Monstruo que todos llevamos dentro. Su vitalidad es realmente contagiosa.^—^_aquí la entrevista!

Entrevista a Andrea Gonbelt:

KAHLO: ¡Hola Andrea!  Te descubrí a través del fanzine en el que colaboras muy activamente ‘Mi abuela es Jazzista’. ¿Cómo surgió este proyecto?

ANDREA GONBELT: ¡Hola! Me alegra estar por aquí, aunque sea virtualmente. “Mi abuela es Jazzista” es un blog de música independiente, arte y otras cosas que se nos ocurren, que de vez en cuando sacamos en PDF e incluye colaboraciones de amigos o personas que simplemente las encontramos a través de Internet, ya sean músicos o artistas. Un proyecto llevado a cabo por Luis Martínez y yo, creado a partir de nuestra pasión por las publicaciones independientes y los blogs. Su nombre surgió en honor a mi abuela, una viejita muy simpática, a quien le gustaba mucho el jazz.

K: Eres ilustradora, diseñadora gráfica, fotógrafa, ‘collagista’ y además escribes tus cosas. Está claro que el arte y la creatividad van intrínsecas a tu personalidad y el modo que tienes de relacionarte con el Mundo. ¿Cómo surgió esta relación?  

AG: Acabo de graduarme en Artes Visuales, con especialidad en Fotografía, aunque la verdad es que he estudiado muchas cosas antes y durante la carrera, que a veces luego he dejado a medias. He participado en muchos talleres y actividades que nada tienen que ver entre sí, probablemente por eso me gusta hacer de todo, aunque muchas cosas las hago muy mal, como el diseño gráfico del fanzine, que más bien parece un collage enorme.

K: Tu estilo gráfico y sentido compositivo desprenden un gran sentido del humor y fuerza visual. ¿Cuales son tus premisas al llevar a cabo una obra o proyecto? 

AG: Me encantan Los Monstruos, a lo mejor parto de eso, me gusta convertir a las personas que lucen radiantes en monstruos muy contentos. Hace dos años me tomé muy en serio esto de Los Monstruos, y actualmente trabajo en un proyecto, que no sé bien dónde va a parar, que trata sobre cómo crecemos pensando que los monstruos están debajo de la cama, cuando en realidad, duermen en ella: ¡Somos nosotros!.

K: Tu paleta cromática es llamativa y divertida, mezclando colores pastel con fluorescentes. Así como las contraposiciones visuales que logras en tus collages.

AG: Creo que eso me viene un poco de la cultura regional, soy mexicana, acá todo es de colores. Hay casas color verde fosforescente, al lado de casas muy serias en color café. Como dicen por aquí “No niego la cruz de mi parroquia”. A veces, es imposible despegarse de lo kitsch.

K: En cuanto a referentes artísticos, ¿qué autores te han marcado más hasta el momento? ¿Cuáles son tus puntos de inspiración más importantes?

AG: En fotografía mi mayor referente es Marta María Pérez Bravo, fotógrafa cubana. Su trabajo es de las cosas más crudas y sensibles que he visto. De alguna manera, parte de mi elección de haber estudiado fotografía se lo debo a ella.

En cuanto a lo demás me gustan mucho los personajes de Mike Judge y John Kricfalusi. Además de las muchas personas que conocido por medio del fanzine como Juana Neumann, Gemma Granados, Paola Gaviria, Alejandra Hernández, Marisol Escamilla, Alessandra Flores, Chema Padilla, Felicity Lingle, Roi e Inés del colectivo Café con Leche, Po poy, Alejandra Villasmil, entre otros, que hacen cosas verdaderamente bonitas.

La cosa es buscar y ver y ver y ver. Hay tantas maravillas en el mundo, del internet, que la lista de referentes es interminable.

K: Me llaman poderosamente la atención los ‘pelos’ y ‘poros’ de muchos de los personajes que ilustras. ¡Hasta tienes un dibujo de ‘Chewie loves you’. ¿Qué representa el pelo para ti?

AG: Nunca me había dado cuenta de esto, y es cierto. Creo que es porque yo soy una bola de pelos, e inconscientemente hago a todos mis personajes como yo. Tengo el cabello “rizado salvaje”, creo que algunas veces he asustado a las personas con mi look.

K: En cuanto a música, ¿cuáles son tus grupos favoritos del momento?

AG: Tengo que confesar que no soy melómana, en el fanzine, Luis, que es músico  (Piyama Party y Los Mundos), se encarga de ese apartado. A mí me gusta la onda visual de la música y de quienes la hacen, me gusta mucho la ropa que usan, el maquillaje, los accesorios y esas cosas que son parte del “show”.

Tengo muchos grupos favoritos del momento, aunque para la gente normal ya sean del momento pasado, hace un mes no dejaba de escuchar a J. Mascis, el disco de Several shades of why, honestamente me daban muchas ganas de ir a abrazarlo para agradecerle todo lo que, sin saber, ha hecho por mí. Por otro lado,  traigo de moda a las Kellies de Argentina, a Mirah de EUA y Vampire Weekend. Y ya para terminar, un clásico de clásicos: el siempre fabuloso Elton John.

K: ¿Qué tal si nos despedimos con un videoclip que te guste mucho?
AG: Not Enough, de J. Mascis. El video más bonito que he visto en años.

K: ¡Muchas gracias Andrea, es precioso! Espero que el 2012 sea una año lleno de ilusión y arte para ti, y vuestro fanzine ^—^!!!

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Los pájaros de alambre de la joven artista japonesa Sonoko Sahara parecen captar ese tipo de movimiento que las aves hacen cuando están en el suelo. Como si estuviesen pensando, tarareando o jugando a no tener alas. Será que cuando un pájaro se despista baja a la tierra y a los humanos nos pasa al revés…^–*_from Kuwasawa!

Aquí algunos pájaros de Sonoko Sahara:

Mp3 del post;

Micha P Hinson – The Nothing.mp3

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Hoy se inaugura en Barcelona, hasta este viernes 30 de diciembre, el ‘Mercadillo de la Pelusa’ en el ‘atelier, fanzine shop & Gallery de Retina & Retinette‘ (cerca de la parada de Metro de Jaume I, en la Calle Cometa nº6). Un lugar de encuentro donde podremos descubrir, y comprar, obra original ilustrada de pequeño formato de artistas e ilustradores contemporáneos como Coqué Azcona, Julia Solans, Rrarmy,  Ibie, Joan Thelorious, Yotuchi, Joana Santamans, Paula Bonet, Marc Torrent, Iván Bravo, Óscar Noguera, Esteso y Retina&Retinette. ^—*_I’ll be there!

*Horario: miércoles 28 de 20:00 a 22:30 hrs; jueves 29 y viernes 30 de 12:00 a 22:00 hrs.

Dos vídeos que Retina&Retinette comparten con nosotros en su facebook:

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